White Bird In A Blizzard

White Bird In A Blizzard es uno de los mejores estrenos de este 2014. Cuando uno se encuentra ante un filme de mucha calidad, es necesario ser así de categórico y conciso. No conozco absolutamente nada del trabajo previo a esta película del director Gregg Araki, que también oficia de escritor aquí. Si puedo hablar un largo rato de las dos actrices principales, que son en extremo talentosas y las más importantes en este momento dentro de la industria cinematográfica. Shailene Woodley, una de las más talentosas nuevas actrices - a quien hoy vemos hasta en la sopa (por suerte)- y Eva Green, a la que se aplica lo recién dicho acerca de su colega - excepto la parte de "nueva actriz"-, representan a dos generaciones muy diferentes. Era lógico que en algún momento trabajasen juntas, pero lo que no era tan seguro era que fuese a ser un éxito lo que de allí resultase. Ya saben lo que dicen acerca de los talentos que se juntan...Pero evidentemente todo esto era un mero prejuicio pues su primer filme como cabeza de cartel es excelente merced no solo de sus brillantes actuaciones sino de un guión sólido que se va desenvolviendo con inteligencia hasta llegar a un final muy particular.

La historia está enteramente narrada por Kat Connor (Shailene Woodley) que nos explica en la primera línea que su madre desapareció de un día para el otro sin dejar rastros cuando ella apenas tenía 17 años. Lo que sigue es la parábola que su madre Eve (Eva Green) recorre desde una joven radiante e ilusionada por el comienzo de su vida junto a su pareja Brock (Christopher Meloni) a una ama de casa infeliz, sumida en una existencia gris y enojada con el mundo. Sus constantes peleas con Kat son una descarga para ella y logran resentir por completo una relación que de por sí nunca fue buena. Todos sus fracasos maritales, personales y sexuales son espejados en ella y eso hace que por momentos parezca una acosadora obsesionada por el hecho de que su hija ha crecido y es mucho más atractiva para los muchachos que ella jamás volverá a ser. Cualquiera que hable de psicopatía para darle una descripción médica a esto no estará muy lejos de la verdad.

La trama obviamente gira alrededor de esta misteriosa, inquietante y trágica desaparición. La vida de Kat cambiará para siempre desde ese día y constantemente sentirá la sombra de su madre que la acecha en los sueños, como intentando decirle donde está. A medida que va creciendo y se prepara para ingresar a la universidad, las dudas que la carcomen acerca del paradero de Eve comienzan a transformarse en certezas. Con decisión buscará descubrir que fue lo que le sucedió aquella tarde de 1988 a su mamá y por qué nunca más regresó.

El guión esta muy bien llevado y tiene varios picos de tensión interesantes. Woodley y Green hacen suya la cinta y son el soporte de un producto que se muestra como uno trillado pero que sorprende con una importante cantidad de pliegues - y sus subsecuentes giros sorpresa- que lo tornan atrapante. Todo lo que parece obvio desde la frase que abre la película es en realidad solamente la punta del iceberg, y esto es lo que permite que el espectador nunca se desconecte. El desenlace es realmente bueno no por ser una genialidad sino por que es tan simple como inesperado. Todo se resuelve en una escena luego de que nos enteramos de la suerte de Eve y no deja de ser impactante porque da vuelta todo lo que habíamos visto hasta ese momento.

La banda sonora es muy copada, bien ochentosa con The Cure a la cabeza. No puede hacer más que recordarme a Adventureland que junto a Guardians Of The Galaxy y The Social Network forman parte de mi podio con las mejores musicalizaciones de esta década. La recreación de época es lograda, aunque no sea una tarea tan complicada encontrar la ropa que se usaba hace 20 años. Si se agrega que todo sucede en el típico suburbio norteamericano, queda más en evidencia que este punto lo podría haber logrado bien casi cualquiera de nosotros. No confundan esto con una descarnada crítica negativa. Entiendan que lo considero algo que solo debería ser remarcado si el director y los productores no hubiesen podido llevarlo a cabo.    

White Bird In A Blizzard es una de las revelaciones de este 2014. Con las dos mejores actrices del momento y un muy buen libro consigue atraparnos y entregar todo lo que promete. El manejo de cámaras de Gregg Araki es muy bueno y un punto clave pues ayuda a que los gestos y las miradas de Eva Green y Shailene Woodley sean apreciados en su total magnitud. Green utiliza más que nada esa expresión lúgubre que es tan natural en ella y que para esta caracterización le viene como anillo al dedo. Pero su compañera es la que sobresale en todo momento, pues logra transmitir esa angustia que la ha poseído aun en los momentos en los que se encuentra feliz y relajada. Gran performance de ambas que sin dudas le sube y mucho el precio al filme que sin ellas sería tan solo bueno.


Puntaje: 9/10

Transformers: Age Of Extinction

No hay que ser demasiado inteligente o fanático del cine para darse cuenta que Michael Bay no es un director que ame las sutilezas. Tampoco para afirmar que lo mejor que ha hecho en su vida es todo aquello que se encuentre bien alejado de los shows de efectos especiales. Si no, miren la brillante Pain & Gain en la que se despacha crudamente contra el sueño americano retratando la historia - real- de tres fisicoculuristas de Miami que planearon y ejecutaron tal vez el más ridículo secuestro extorsivo de la historia del crimen. Todos sabemos que la saga Transformers es un producto muy particular, que solamente le puede volar la cabeza a los que son verdaderamente fanáticos de la eterna lucha entre los Autobots y los Decepticons. Desde la primera entrega, que lograba llegar a la meta con aire de sobra, el nivel fue bajando sobre todo en la historia que justificaba la presencia de Optimus Prime y compañía en la pantalla. Y esto es importante, porque la parte del CGI y las consecuentes peleas bien surrealistas siempre fue muy entretenida y de calidad (visual). Pero en lo que fallaba era en todo lo demás; para decirlo más claro: su grave error era no ser una película en sí, sino más bien un showroom de autos de marca - un chivo viviente, diríamos en la Argentina- que se convertían en hermosos y trabajados robots de guerra.

A 3 años de la muy fallida Transformers: Dark Side Of The Moon", Bay decidió ir al frente sin reservas y poner en pantalla - una media verdad, como verán más adelante- a los Dinobots. Todos los nostálgicos, entre los que me incluyo, nos vimos inevitablemente arrastrados a ver la película. Más allá de que la saga es realmente dispareja, tiene una virtud que la hace gigante: el no querer ser otra cosa que un festín de CGI, explosiones, protagonistas humanos forzados y los Transformers como el centro del espectáculo. La propuesta es esa y cuando uno se dispone a verla debe hacerlo con anteojos diferentes a los que, por ejemplo, usaría si ve un filme de Truffaut, Hitchcock, Godard, Polanski, Scorsese, Woody Allen y cualquier otro gran director.

La línea argumental nunca fue ni relevante ni el fuerte de esta saga, así que lo primero que notamos es que el protagonista principal no es más Shia LaBeouf sino el fenomenal Mark Wahlberg. No digo esto porque no me guste el primero - es más, me parece un excelente actor- sino porque esa mezcla de looser y héroe que encarnaba Sam Witwicky parecía menos real que cualquiera de los robots digitales que adornan estas películas. Ahora sí, lo básico y letal respecto de la trama: el mundo nuevamente el peligro, los Autobots perseguidos por los humanos - algo siempre inentendible pues nos viven salvando- y la mención constante a la "Batalla de Chicago" en un muy ridículo intento de darle al filme un poco del "Marvel Mojo" que tanto nos gusta. En el camino habrá políticos y agentes federales y nacionales corruptos que buscan hacer dinero a costa de destruir a Optimus Prime y sus compañeros, todos acompañados por el resurgimiento de un viejo enemigo - que no parece querer morirse nunca- y el ingreso de varios nuevos personajes en su mayoría simpáticos (los buenos) o maquiavélicos (los malos). Todo este combo explosivo deberá ser detenido a tiempo por nuestros héroes de siempre con el grupo de humanos de turno que, como de costumbre, desde su imposibilidad total para siquiera rasguñar a quienes buscan matarlos logran ser clave en la resolución de la pelea final. Como pueden ver nada en la estructura de Transformers: Age Of Extinction ha variado respecto de sus antecesoras.

Los nuevos intérpretes hacen que la ejecución de la partitura sea de lo más efectiva que hemos visto hasta el momento. Mark Wahlberg toma todo su talento natural para hacer comedia y lo eleva a la máxima potencia. El resultado es una especie de Tony Stark fracasado, un inventor brillante que no tiene ni una pizca del reconocimiento que merece. Y para colmo de males vive en los Estados Unidos profundos, algo que lo frustra más a la hora de pensar en pagarle la universidad a su hija de 17 años. Respecto a la protagonista femenina, Nicola Peltz, se pude decir que es la primera vez que el director no pone a la protagonista femenina en una constante pose sexy, pero su rol es más o menos el mismo que tuvieron todas las que pasaron por ese personaje: una rebelde con daddy issues que durante la batalla termina siendo un show de primeros planos de cara sufrida y/o llorando. La inclusión de dos pesos pesados como Kelsey Grammer y Stanley Tucci sirve para que el peso se termine repartiendo equitativamente entre ellos y Wahlberg. Sus personajes son opuestos (el corrupto y el idealista, respectivamente) y en cada escena logran sacarle agua a la piedras, pues el guión - como siempre- es muy limitado.

Párrafo central para los Transformers, que están mejor que nunca. Las adiciones al equipo Autobot son muy buenas, principalmente esa especie de Fidel Castro con mucha panza que gana un protagonismo similar al de Optimus Prime. En cuanto a los Dinobots solamente decir que están perfectamente diseñados y que su breve tiempo en pantalla es suficiente para destrabar el conflicto central. El líder de los Autobots brilla como siempre y más para los que adoramos su sacrificio y sus discursos con el planeta tierra como paisaje.

Transformers: Age Of Extinction es un clásico producto de Michael Bay. Su frenético manejo de cámara y las explosiones 100% imposibles están a la orden del día. Puro fuego artificial que será un lujo para los que gustan de la saga y más de lo mismo para los menos entusiastas. Más allá de todas las críticas negativas, la película ha recaudado millones a lo largo y ancho del mundo (con China como su gran fuente de ingresos, algo que también pasó con Godzilla y Pacific Rim, lo que habla de un desplazamiento interesante del mercado). Su objetivo está más que cumplido y además lo consigue mejorando notoriamente al filme anterior que era realmente malo. Para ser un producto que está hecho con la menor seriedad posible y que solo quiere entretener, es una muy buena película. Como ya dije unos párrafos más arriba: todo siempre depende de los anteojos con los que se lo mire.



Puntaje: 7.5/10  

  

The Purge: Anarchy

Si The Purge (2013) había sido una película muy acertada en su concepción pero bastante errada en la ejecución, podemos decir que su secuela titulada The Purge: Anarchy logra darle continuidad a su buena idea de base y mejorarla de manera considerable en lo referido a la trama. A esta prometedora pero insulsa primera parte, también dirigida por James DeMonaco, le faltaba salir de la casa. No alcanzó con tener a Ethan Hawke y a Lena Headey como cabeza de cartel para hacer sobresalir un producto que por no ir más allá de lo situacional dejaba demasiados interrogantes. Tal vez haya sido una movida maestra de los productores y el director - algo que dudo- pero el resultado de ese experimento inicial es una segunda parte que completa bastante satisfactoriamente el camino iniciado un año antes.

El argumento se repite una vez más, aunque hay algunos detalles que exhiben que algo ha cambiado. La activa resistencia de parte de una guerrilla anti sistema y anarquista contra la Purga Anual ha logrado que una gran porción de la población tome conciencia de la atrocidad que este evento significa y de como solamente sirve para que los privilegiados mantengan su dominio sobre aquellos excluidos de todo beneficio y progreso (es decir, los pobres). El gran acierto es tomar varias historias que no poseen ninguna conexión inicial y hacerlas confluir en la calle, mostrando todo lo que no se vio en la entrega previa. Un policía que sale a vengar la muerte de su hijo, una madre y una hija que viven en los suburbios y escapan de un ataque de parte del cobrador de la renta y una pareja de clase media/alta que en pleno regreso a casa, ve como su auto se descompone a tan solo minutos de que comience la Purga. Todos ellos cruzarán sus caminos y deberán sobrevivir en ese infierno de 12 horas que se sucede año a año. 

Como espectadores, podemos presenciar en primera persona las atrocidades que se cometen durante esta actividad que según el nuevo gobierno es "sanadora" y "sostiene a la Nación". El funcionamiento del sistema se hace visible y hay varios giros inesperados que muestran hasta que punto el ser humano puede llegar con tal de mantener una posición social - o de simplemente dar rienda suelta a sus fantasías clasistas/racistas de aniquilación de todo el que sea diferente-. El mensaje sigue siendo el mismo: sin que una mayoría acate y lleve a cabo su trabajo durante la Purga, el gobierno jamás se podría sostener en la cúspide de la pirámide. Es interesante ver también como se puede producir una cooperación entre los ricos y los pobres, donde ambos salen beneficiados mientras un grupo de víctimas paga el precio de tan alianza. El sistema necesita de todos, de esto no cabe duda alguna y el filme lo muestra con ese grupo de enmascarados que esperan amenazantes a que la Purga comience ante la horrorizada mirada de la joven pareja que sabe que posiblemente no salgan vivos esta vez.  

Las actuaciones son buenas en general, aunque no son descollantes ni mucho menos. Sin grandes estrellas en cartel, sobresale la siempre bienvenida presencia del genial Michael Kenneth Williams como el líder de la revolución que amenaza con destruir los cimientos de un sistema opresivo que se mantiene con la sangre de los más necesitados. Es bueno que no haya ninguna estrella como protagonista principal, pues es lo que le da ritmo a un  guión que se muestra superador respecto de su techo a perforar.

The Purge: Anarchy es un filme muchísimo más dinámico y entretenido que el anterior y por ello da pie a una posible trilogía. Hay acción al por mayor y se lleva el choque social y racial al extremo absoluto, mostrando que en sí mismos no son tan distintos el uno del otro. Más allá de algunas obviedades políticas - que no por ello dejan de ser ciertas- el cierre es muy bueno. Las escenas finales son un manual explícito - y detallado- de como funciona el sistema político desde el comienzo de la historia: nos pone buena cara y nos confirma que somos libres, pero en realidad la única libertad que poseemos es la de elegir ser sometidos (lo que ayuda a que este esquema se reproduzca ad eternum). Lamentablemente no estamos tan lejos de un escenario cuasi apocalíptico como el que se plantea aquí, y el que el espectador se preocupe por esto significa que la película ha cumplido con uno de sus más importantes objetivos. Se puede hablar siglos de la famosa hipocresía de Hollywood, que suele criticar ferozmente al sistema del que se nutre sin problema alguno de moral ¿Pero saben qué? A mi me encanta y no hay nada que vaya a cambiar esto. Al fin y al cabo, es tan solo una película y no se puede negar el hecho de que entrega lo esperado. 

Puntaje: 7.5/10   

The Expendables 3

Si hay una saga que me gusta al punto de hacerme emocionar cada vez que veo uno de sus filmes, es la de The Expendables. A esta altura del partido, creo que se va a convertir en una sucesión eterna de películas en las que el cartel no va a alcanzar para colocar los nombres de todas las estrellas que las protagonizan. Ya para la segunda parte la cuestión se había tornado complicada para los publicistas, pero para esta tercera entrega fue necesario disponer de carteles al estilo pancarta donde cupiesen las fotos y nombres de todos los actores involucrados. Este gran proyecto que inició Sylvester Stallone ha mutado de un experimento lleno de violencia, disparos, sangre y viejas leyendas del cine de acción a...Exactamente lo mismo pero multiplicado por diez en cada nueva película. A lo que debe sumarse un gran trabajo físico, puro oficio para sostener una trama que suele ser básica - pero no por ello "mala" o "aburrida"- y mucha capacidad en la siempre difícil tarea de reírse de uno mismo.

Todo comienza con un rescate explosivo (cuando no) en un tren. El objetivo es rescatar a Doc (Wesley Snipes), un viejo amigo de Barney (Sylvester Stallone) para así poder sumarlo a una muy complicada misión: darle muerte a un traficante de armas muy poderoso. Hasta allí nada nuevo, pero los problemas comienzan cuando Barney se da cuenta que su blanco es nada más ni nada menos que Stonebanks (Mel Gibson), uno de sus más viejos y sanguinarios enemigos a quien creía muerto. El enfrentamiento es inevitable y nuevamente la tragedia golpea la puerta del equipo: Caesar (Terry Crews) queda malherido y al borde de la muerte. Mientras Drummer (Harrison Ford) - su nuevo superior- los critica por haber desperdiciado una oportunidad única e irrepetible, Barney decide vengar a su compañero. Pero esta vez le comunica a los suyos que The Expendables ya no existen más pues no quiere arrastrar a las personas que más quiere hacia una muerte segura. En su lugar elegirá a un grupo de jóvenes que cumplen con todos los requisitos necesarios para como mínimo dar una buena pelea. Con sus nuevos reclutas, Barney se embarca en la misión más difícil de su vida de la que tiene muchas probabilidades de volver en un ataúd.

El choque generacional está encarado de una manera muy distinta al filme previo, pues aquí se confronta directamente a un grupo de jóvenes sanguinarios y talentosos contra la vieja escuela. Esta oposición oculta dentro de sí una reflexión acerca de como el cine de acción ha evolucionado con el paso del tiempo. Demás está decir que lo hizo para mal, pero The Expendables 3 intenta mostrar que el músculo y la tecnología pueden trabajar juntos en pos de conseguir muy buenos productos. Es la más política de la - hasta el momento- trilogía y a pesar de ser bastante más prolija en el guión (ay, la industria y sus vicios), esa hermosa esencia suya no se pierde por el camino. Creo que ni en 50 secuelas de aquí en más se podría lograr arruinar el espíritu de esta saga, en la que todo gira alrededor del compañerismo, de dar todo por el otro sin cuartel ni intereses de por medio. Que haya un filme dispuesto a sostener esa bandera bien en alto en estos tiempos donde el cine en su mayoría no es más que efectos especiales y fórmulas efectistas, es más que admirable y emotivo.

Las actuaciones de Stallone, Schwarzenegger, Statham, Lundgren y demás del elenco estable son maravillosas. Puras, bien físicas y llenas de humanidad, sabiendo hasta como hacer que hasta los clichés del género no aburran. Ya fue dicho muchas veces, pero vale la pena repetirlo: aquí el cliché no es más que un elemento muy bien colocado dentro del guión pues sirve como una parodia. Los nuevos miembros de The Expendables realizan una buena tarea, que es por sobre todo física aunque se supone que con el correr de los filmes tendrán un poco más de protagonismo. La salida de Bruce Willis, enojado por un par de dólares que no recibiría en su ya muy gordo cheque, no se siente porque en su lugar colocan a uno de los mejores: a Harrison Ford, que no desentona en lo absoluto y da la impresión de haber estado esperando toda su exitosa carrera para jugar este rol. Y ni que hablar de Mel Gibson quien como el nuevo malvado de turno es realmente hilarante y seductor, a tono con el rol que interpretó en la genial- y despreciada por no haber sido comprendida por casi nadie- Machete Kills. Hollywood se pierde mucho renegando a este increíble y políticamente incorrecto actor, y es más bien lógico que Stallone y sus muchachos hayan salido a su rescate para colocarlo como centro de un producto que va contra la corriente hollywoodense. Mención de honor para Antonio Banderas, que se sale de su zona de confort y compone a un asesino muy peculiar y en extremo gracioso exagerando al máximo el estereotipo del latino.

The Expendables 3 no es cine arte, pero no por ello no es cine. Más bien todo lo contrario, ya que reúne todas las cualidades que llevaron a muchas generaciones a enamorarse de la pantalla grande. Posee la, en mi opinión, magnífica cualidad de nunca querer ser otra cosa que una gran película de acción pero con la firma de los clásicos, lo cual la hace realmente buena. No importa si el guión es lo más predecible del universo, ya que lo que el espectador quiere ver cuando paga la entrada en este caso es un recital de trompadas, sangre y mucha adrenalina. En eso y mucho más, Stallone y sus colegas son 100% eficaces y entregan lo esperado. La violencia está redoblada en esta tercera parte y los fanáticos lo agradecemos con mucha fuerza. El traspaso generacional se encuentra muy bien logrado, aunque no se trata de un pase de antorcha sino de abrir la puerta al trabajo conjunto entre los que no se terminan de ir y los que están llegando. Por el bien del cine y por su salvación, que nunca pero nunca se nos vayan estos fenómenos.


Puntaje: 9/10

X-Men: Days Of Future Past

A Bryan Singer le tenemos que perdonar Superman Returns (2006) y agradecerlede por vida, ya que fue quien le dio a Marvel su primer éxito verdadero en la industria cinematográfica. Las primeras dos - y muy buenas- películas de la saga X-Men significaron un cambio inconmensurable dentro de una empresa que tenía mucho éxito en los cómics pero que en el mundo del cine y la televisión no lograba insertar sus productos de forma definitiva. Tras el desastre desde todo punto de vista que fue X-Men: The Last Stand (2006) con Brett Ratner a la cabeza y la regular X-Men Origins: Wolverine (2009), dos filmes que tenían un único punto positivo en Hugh Jackman, la decisión de correr la línea temporal hacia atrás fue más que correcta. X-Men: First Class (2011) explicó con paciencia los orígenes de la rivalidad y odio entre Charles Xavier y Erik Lehnsherr (mejor conocido como Magneto) y también sus historias y las de muchos de los personajes centrales del cómic antes de ser los héroes que nosotros conocemos. La fórmula fue interesante y abrió paso a la adaptación que todo fanático esperaba. X-Men: Days Of Future Past es uno de los mejores cómics que se han escrito y si bien su paso a la pantalla grande no iba a ser simple, era necesario para abrir el universo una vez más y poder dejar atrás el mal trago de 2006 que estuvo a punto de clausurar la saga para siempre.

X-Men: Days Of Future Past borra (para bien) casi por completo a su predecesora y regresa a la vida a Charles Xavier (Patrick Stewart), que se encuentra en un futuro lejano y oscuro junto a Magneto (Ian McKellen) y un grupo de mutantes que han sobrevivido a la guerra. Todavía perseguidos por los prácticamente invencibles Centinelas, un arma perfecta creada por el científico Bolívar Trask (Peter Dinklage), ven como el poder aplasta a sus hermanos sin piedad. El mundo se ha consumido en una guerra entre mutantes y humanos desatada tras el asesinato de Trask en manos de Mystique (Jennifer Lawrence) en 1973, acto que convenció al gobierno de los Estados Unidos de comenzar el proyecto que derivó en la creación de los Centinelas. Los campos de concentración se extienden por todo el mundo y albergan a millones de mutantes. La victoria de la raza humana es una realidad, pero al costo de haber terminado por completo con lo que conocíamos como el planeta tierra. La introducción viene de la mano de una brillante escena de acción pura y dura en la que vemos como 3 Centinelas ingresan al escondite de la resistencia y aniquilan a todos. En ese momento todo vuelve atrás y descubrimos que gracias a la posibilidad de dar saltos temporales, nada de lo que acabamos de ver realmente sucedió. Lo que Xavier y Magneto planean es que uno de ellos viaje en el tiempo para evitar que suceda la muerte de Trask así como la captura de Mystique, cuyo ADN fue el impulso final para la creación de estas máquinas letales que se adaptan al poder de todo mutante que enfrenten, lo mejoran y lo usan a su favor. Logan (Hugh Jackman) será quien regrese a esos complicados años y su misión no será nada fácil: deberá convencer a un joven, desmoralizado y sin esperanza Xavier (sumido en una profunda depresión tras el choque con Eric que lo dejó paralítico) de rescatar a su enemigo y tratar de cambiar el futuro. Es la última chance que tienen los mutantes para sobrevivir y para evitar un baño de sangre que destruya todo.

Las actuaciones son fenomenales y el cruce pasado-presente es perfecto. La reconocida mundialmente química entre Patrick Stewart e Ian McKellen se traslada de forma idéntica a la que tienen entre sí James McAvoy y Michael Fassbender, quienes los personifican en sus años mozos una vez más. Lo poco que están en escena los dos primeros es suficiente para que sigan demostrando que la calidad es inoxidable en ellos, ciento por ciento resistente al paso del tiempo. El trabajo de McAvoy y Fassbender en la saga vuelve a ser muy bueno y eso que aquí la dificultad era aun mayor, ya que debían mostrar a sus personajes en el paso previo a quedar completamente separados por sus ideas acerca de la relación entre los mutantes y la humanidad. Lo mejor de esta dupla aflora en los momentos donde muestran esa complicidad que los llevó a ser alguna vez mejores amigos, una que nunca pierden a pesar de que la beligerancia entre ellos crece a cada minuto. Hugh Jackman vuelve a desplegar con mucha comodidad todas sus armas conocidas y esto le sobra para brillar, pues él es Wolverine. No se podría siquiera pensar el que otro actor para este papel pues la identificación es muy fuerte. Jennifer Lawrence es una enorme actriz y aquí ve ampliado exponencialmente su protagonismo como Mystique. La joven e insegura Raven queda atrás y ahora le pone el cuerpo a este camaleón lleno de odio y sed de venganza contra Trask por haber sometido a miles de mutantes a innumerables torturas con el fin de construir el arma perfecta. Peter Dinklage es la cara de este brillante, ambicioso y asesino científico que considera a los mutantes como la amenaza más grande de la humanidad. Lo que desea va más allá de sus ganancias personales, él solamente busca proteger a los suyos aunque termina cruzando demasiadas líneas morales y legales en pos de conseguir su objetivo final. Su trabajo es brillante una vez más, dejándolo en el centro de la escena como uno de los actores más interesantes y talentosos de estos años. Mención de honor para Evan Peters, que en los minutos que tiene como Quicksilver deslumbra con su sentido del humor.

La esencia del cómic se encuentra muy bien plasmada en la película. La acción es la justa y necesaria, pero cuando llega lo hace con una explosión gigante. La imagen está muy lograda y las escenas impactan por sus colores, siendo pura belleza y detalles. Los 70' están recreados a la perfección y no faltan sutiles chistes políticos y sociales de época que hacen reír con ganas. Lo que más importa de la trama es la pelea que deben realizar los personajes del pasado contra sí mismos para cambiar su propio futuro. Todos sus fantasmas y su dolor tienen que ser superados o al menos dejados a un lado para pelear por una causa que los supera por completo. La misión es imposible en su concepción porque además de ponerse de pie y dejar atrás el pasado reciente, tendrán que caminar a ciegas sabiendo que la mínima falla podría derivar en algo mucho peor que lo que les cuenta Logan.

El antagonismo entre odio y esperanza, entre aniquilación y convivencia, que representan Magneto y Xavier se puede ver muy claramente. Sirve que se cierre la puerta que X-Men: First Class había dejado abierta tras su escena final para poder seguir adelante con un producto que francamente parecía archivado. En Bolívar Trask reside el mensaje de que hasta las ideas más nobles están impulsadas por una motivación más oscura de lo que el discurso aparenta. El caos puede salir de las mejores intenciones, una lección que hemos aprendido con mucho dolor  y sangre a lo largo de nuestra historia.

X-Men: Days Of Future Past es un excelente filme y su maravillosa dirección en manos de Bryan Singer es la prueba viviente de que él y solo él tiene que estar a cargo de esta saga. La adaptación de la historia original es muy buena y logra capturar los puntos clave que la llevaron a ser, a mi parecer, el mejor cómic de todos. Con actuaciones antológicas - el cruce generacional entre el cuarteto principal es un lujo- , efectos especiales cautivantes y un manejo perfecto de las transiciones espacios-temporales, este filme le devuelve la vida a los X-Men. El cierre es a toda orquesta y la reflexión final muestra como algunas piezas pueden quedar en orden tras un trabajo minucioso, pero que hay ciertas cosas que jamás cambiarán. El próximo paso es X-Men: Apocalypse - un aplauso para quien elige las historias, un lujo- que tiene fecha de salida para 2016 y a decir verdad promete demasiado. Será cuestión de estar a la altura, pero el prestigio ha sido recuperado.



Puntaje: 10/10       

Night Moves

Este filme dirigido por Kelly Reichardt, quien fue nominado al "León de Oro" en el Festival de Venecia por su muy buen trabajo, era uno de los que más esperaba. Sin estreno local, como tantos filmes que valen la pena pero que jamás llegan a nuestra cartelera, quedaba que algún alma caritativa consiguiese una copia y la colgase en la red. Por suerte esto sucedió y pude acceder a una película muy bien actuada, interesante en la trama - termina en un lugar bien lejano a aquel donde comienza- y con una contundencia política notable. Utilizando al Eco Terrorismo como marco, bucea en el sentimiento más profundo y auténtico del ser humano: el miedo. Si hay algo que nos lleva directo a nuestra naturaleza y nos hace convertirnos en algo que jamás creímos posible, es el miedo y Reichardt pudo retratar con mucha paciencia el descenso de los protagonistas a la oscuridad absoluta. Esa donde los ideales son lo que menos importa.

Night Moves nos cuenta la historia de Josh (Jesse Eisenberg), Dena (Dakota Fanning) y Harmon (Peter Sarsgaard), tres eco terroristas que están a punto de dar el golpe de sus vidas. Los dos primeros comparten activa militancia hace bastante tiempo y parece haber entre ellos una tensión bastante particular pero que de a ratos los incomoda demasiado. Harmon es un ex Marine que se torna clave para la ejecución pues sabe como armar un plan perfecto en el que nadie salga herido y el mensaje llegue al mundo con fuerza. El objetivo es una represa hidroeléctrica y todo parece marchar sobre ruedas hasta que Josh descubre que Harmon no tiene todo bajo control. Su desorganización amenaza con sabotear el ataque, algo que empeora cuando los tres ingresan en el clásico trío amoroso que siempre sucede en este tipo de operaciones revolucionarias (o como quieran llamarlas) - si no me creen, miren la fenomenal The Edukators o lean algún libro de los cientos que se han escrito acerca de la vida en la clandestinidad-. Los celos invaden a Josh que de a poco se recluye del grupo mientras Dena y Harmon intentan solucionar los problemas logísticos que van surgiendo. Y como si todo esto fuese poco, las diferencias sociales entre los dos muchachos (clase media-media raspando) y su joven compañera (de una familia adinerada, con una vida "perfecta") salen a la luz. Todo esto mientras las horas pasan y de a poco se acerca el día en el que el mundo de una vez por todas oirá su mensaje en favor de la naturaleza.

En un filme que tiene un ritmo más bien cansino, es esencial que los diálogos y los movimientos de cámara capten el interés del espectador. Y eso sucede en Night Moves de la mano de tres muy buenos actores que se meten de lleno en sus personajes mostrándonos todos sus miedos, sus dudas, sus pasiones, sus penurias, etc. que de a poco los irán carcomiendo llegando a un punto límite cuando concretan su misión. Cuando un imprevisto surge, estos tres Eco Terroristas ven como la situación se les escapa por completo de las manos. Quedan en shock, empapados por el miedo y la desconfianza mutua, y sus convicciones quedan a un lado. La moral y la culpa empujan al máximo a estos inexpertos militantes, tanto que no tardan en estar lo suficientemente cerca del abismo como para asomar la cabeza y poder ver bien lo que hay allí abajo.

Las actuaciones de Jesse Eisenberg y de Dakota Fanning son excelentes como de costumbre. Estamos ante dos de los mejores actores de sus respectivas generaciones: el primero lo viene demostrando hace ya demasiado tiempo (no necesito repetir una vez más su filmografía pero miren la reciente The Double o las ya clásicas Adventureland, Zombieland o The Social Network) y ella se encuentra en el momento de despegue de su carrera adulta - pos intervención en la saga Twilight- que ya dejó de ser una promesa para ser una realidad. Los dos utilizan el lenguaje corporal y facial de una manera muy eficiente para decir lo que no puede ser puesto en palabras - en especial Eisenberg con su clásica mirada melancólica-, administrando los silencios sin dificultades. La tensión entre los dos queda irresoluta en un principio y luego deriva hacia un lugar distinto al imaginado. La paranoia marcará el destino de dos idealistas que creyeron que cambiarían el mundo con una bomba pero vieron como a los únicos a los que hizo virar 180° fue a ellos. Peter Sarsgaard aporta su habitual mirada tristona y su habilidad para sobresalir desde los márgenes. Su personaje es el más flojo en la parte del idealismo pero el más concreto a la hora de llevar a cabo las acciones, más allá de no ser el más ortodoxo a la hora de los bifes.

Night Moves posee un doble mensaje: el primero en favor de la naturaleza y en contra de la explotación y destrucción a la que el humano la somete para obtener ganancias (económicas, políticas, sociales...) y el segundo - mucho más explícito- en contra del terrorismo en cualquiera de sus formas. Es ambiguo el esquema así planteado pero, a decir verdad funciona muy bien bajo la muy buena dirección de Kelly Reichardt. Los planos le dan fluidez a una trama más bien lenta y la imagen es bien fría y oscura. Casi como que nos invita a nunca en la vida ir a esos pueblitos que están por doquier en los Estados Unidos o por lo menos a no ir de excursión por los alrededores de una represa sin pensarlo dos o tres veces. 

Night Moves es un muy buen filme que se sostiene en base a las grandes performances de Jesse Eisenberg y Dakota Fanning y a la inteligente labor del director para hacer que un producto más bien denso nos termine atrapando hasta el último minuto. No se puede decir que el desenlace sea inesperado o aunque tampoco una obviedad. Night Moves es un retrato de lo terrorífico e inevitable de nuestra naturaleza, de lo que somos capaces de hacer en nuestro estado más primitivo. Les recomiendo con muchas ganas esta película, búsquenla porque en nuestras pampas no suelen aparecer filmes con tanta calidad y potencia. 

Puntaje: 8/10

    

Sabotage

No hace falta realizar ninguna introducción a la hora de hablar de una leyenda viviente como Arnold Schwarzenegger. Ya le hemos dedicado varios párrafos en este blog a hablar de lo que significa para el cine de acción y para el cine en general este en mi opinión muy buen actor - y si no están de acuerdo, miren True Lies (1994) y Kindergarten Cop (1990) y después me cuentan-. La hermosa ola de The Expendables no significó solamente el regreso al centro de la escena para Sylvester Stallone sino que también - y para nuestra suerte- arrastró a la orilla al bueno de Arnie. Ya lo vimos hace poco en la tercera parte de ese loco proyecto liderado por Sly, en el gran western moderno que es The Last Stand (2013) y en la claustrofóbica Escape Plan (2013). Y si piensan que a los 67 años al austriaco le ha llegado la hora de un largo descanso tras dos años sin freno, se equivocan pues lo veremos en la nueva entrega de Terminator en el cuerpo mecánico del androide asesino que lo llevó a la fama en 1984 y también como otro personaje emblemático suyo en la anunciada, y a la espera del comienzo del rodaje, The Legend Of Conan.

Sabotage es su nuevo filme y esta dirigido y escrito por David Ayer quien tiene en su haber el guión de Training Day y tres muy buenos filmes: Harsh Times (2005), Street Kings (2008) - muy poco valorado, se los recomiendo mucho- y End Of Watch (2012). Además escribió y dirigió la muy esperada Fury, cuyo póster promocional adorna en este momento el fondo del blog. La temática sobre la que trabaja Ayer es siempre la misma, un cruce entre lo policial y lo militar lleno de violencia, sexo y corrupción que hasta el momento le ha dado mucho resultado. Sabotage no es la excepción y a pesar de su guión predecible termina siendo en extremo intensa de la mano de un gran Schwarzenegger y un elenco que está a la altura de la estrella principal. Desarrollemos un poco el argumento del filme.

John "Breacher" Wharton (Arnold Schwarzenegger) es el experimentado líder del mejor equipo táctico de la DEA. Como bien expresan en un momento de la trama, es una leyenda de la lucha contra las drogas. Como todos ya sabemos y se repite hasta el hartazgo en este tipo de productos, ninguno de estos muchachos es inocente. Su modus operandi es ingresar pateando puertas a las casa de droga de los grandes narcotraficantes, matar a todos y mientras distraen a sus superiores quedarse con una gran tajada del botín. Una vez que el dinero está a salvo en el desagüe más cercano, ese cuarto vuela en mil pedazos y se da por quemada la suma de billetes que estaba en el lugar. El problema comienza cuando por un retraso mientras esconden el dinero a contrareloj, uno de los suyos cae abatido por alguien que había logrado sobrevivir a la balacera previa. Luego se complica cuando se dan cuenta que los 10 millones de dólares que habían lanzado metódicamente en la alcantarilla, ya no están más en ese lugar. Por las irregularidades y la muerte de su compañero, al equipo de "Breacher" le abren una investigación que los deja congelados por seis meses. Cuando su influencia política hace que el caso se cierre velozmente, John se encuentra con un grupo de personas que están enojadas y distanciadas entre sí. Un misterioso accidente comienza una serie de muertes que parece llevar hasta un importante enemigo que está enojado y desea recuperar todo el dinero que perdió hace unos meses.

Sabotage es puro músculo y nada de efectos especiales. Un show de testosterona, disparos y explosiones que nos llevan de nuevo al viejo cine de acción. Más allá de lo comentado acerca del guión chato, no se puede decir que los filmes de este género tengan historias demasiado complejas e interesantes. Lo que hay es una base bastante sólida con un par de diálogos rudos que justifican el maravilloso espectáculo que ocupa casi todos los minutos de duración de la película. Aun así hay que aclarar que sobre el final la historia repunta y el giro hace que todo cierre a la perfección sin dejar ningún cabo suelto. El "continuará..." nunca fue la preferencia de la mayoría de las cintas de acción pura y dura, y Sabotage respeta esta tradición al pie de la letra. De fondo a todo el ruido, está la estructura de un Western Clásico: el hombre, su pistola y su caballo en busca de su añorada venganza.

Schwarzenegger brilla una vez más y deja ver que a pesar de estar en su salsa jamás va a hacer algo "de taquito". Todo su impresionante físico - un estado envidiable- y su extraño pero eficaz carisma puestos al servicio de la causa para que el espectador salga con una sonrisa de la sala. Los demás actores acompañan bien y respetan su rol marginal. Y hay que decir que no son precisamente lo que llamamos "desconocidos": tipos como Terrence Howard, Josh Holloway y Sam Worthington encabezan el cartel con Arnie pero siempre colocándose respetuosamente un paso por debajo suyo. Como debe ser. Algún hincha de Boca como quien les escribe dirá nostálgico: "A los ídolos se los banca y respeta".

Sabotage es un muy buen filme que jamás se piensa algo que no es y que reinventa/homenajea lo que todos nunca quisimos que se termine. Otra demostración de que en el cine de acción de los últimos años, nada pudo superar lo hecho en los 80'/90'. Ni el mejor CGI ni las armas extraterrestres ni las tramas estrambóticas con ochenta giros por hora...todo lo intentado no pudo siquiera colocarse a la misma altura que aquellas grandes películas. Hay que agregar que aun con los ídolos viejos, pasándola genial y en plan de reírse de sí mismos, tampoco han conseguido al día de hoy un lugar en la mesa grande. Como The Expendables y todos los derivados que salieron de allí, Sabotage es un muy sano ejercicio cinematográfico que va a entretener a todo el público - a menos que odien la acción- con las herramientas más simples que existen en la actualidad: Schwarzenegger en estado puro, mucho músculo y violencia cruda. Lo voy a repetir todas las veces que sea necesario: no se pierdan la posibilidad de ver esta segunda juventud de estos fenómenos, es una oportunidad única e irrepetible. Cuando se retiren, vamos a extrañarlos mucho.



Puntaje: 8/10