Exists

Exists es otro filme dentro del género Found Footage. Sí, otro más señoras y señores. Pero llama la atención al punto de haber conseguido pantalla en los cines locales ¿Por qué? No es por su trama innovadora ni sus personajes profundos ni la reducción al mínimo de los clichés del género. La razón reside en que su director Eduardo Sánchez fue el segundo en la dupla que creó esa gema que es The Blair Witch Project (1999). Para quienes no lo saben, esta excelente película fue la que dió puntapié al género mencionado en la primera línea, uno que lamentablemente hoy por hoy se encuentra en un estado de putrefacción absoluta. Veamos si el trabajo de Sánchez logró salir de la media y proponer algo al menos similar a lo que dirigió hace unos largos 15 años.

El monstruo de ocasión en Exists es nuestro amigo Bigfoot o Piegrande, una criatura que es parte de las leyendas norteamericanas y al que muchos dicen al día de hoy - pleno siglo XXI y no es joda- habérselo cruzado en expediciones a lo salvaje. La historia inicia con la clásica sucesión de imágenes de un grupo de amigos compuesto por varones y mujeres que viajan por las largas y aburridas rutas de los Estados Unidos. Lo que debemos agradecer es que no siga el formato documental que sí se puede apreciar en la reciente The Frankenstein Theory (2013) de la que, en la concepción, parece un calco. 

La acción comienza cuando en medio de la noche, chocan contra algo muy grande y pesado que deja sangre en el paragolpes. Uno de ellos, el bobo que siempre registra todo con la cámara, logra captar una sombra que parece cualquier cosa menos humana pero que camina en dos pies y erguido como nosotros. A pesar de escuchar ruidos extraños que se acercan a ellos, deciden seguir su camino como lo dictan este tipo de guiones. El objetivo final es llegar a la cabaña del tío de uno de los protagonistas, pero lamentablemente el camino se encuentra bloqueado por un gran tronco que no deja pasar la camioneta. Van a pie y encuentran un lugar en ruinas, lleno de hojas y completamente abandonado en el que se disponen a pasar la noche de la mejor forma posible. Los aullidos y gritos siguen escuchándose a lo lejos, dando a entender que están siendo observados por una criatura que no se detendrá hasta obtener lo que busca. 

La referencia a Evil Dead (1981) es demasiado obvia, aunque el director es lo suficientemente sutil como para dejar todo lo relacionado con el diablo y las posesiones de lado. El juego de sombras y de sonidos para crear tensión sin exhibir al monstruo es óptimo a pesar de caer en la habitual sucesión de clichés. Las distorsiones en la pantalla no podían quedar afuera de esta fiesta, siendo el peor de los elementos del Found Footage, cabeza a cabeza con la cámara temblorosa y la respiración fuerte. La inclusión de la Go-Pro en sus salidas a andar en bicicleta por los bosques es novedosa, aunque muchos de ustedes ya habrán visto algo parecido en la fenomenal V/H/S 2 (2013), más precisamente en el corto donde se narra el comienzo del apocalipsis zombie en un POV maravilloso con una Go-Pro - solo se filmó con esta cámara- y un ciclista infectado. Claro, ese segmento está dirigido por...Eduardo Sánchez. 

El guión de Exists no es para nada original y mucho menos lo son sus personajes. Estamos ante el habitual: "no creíamos que existiese y vinimos a mostrar que somos machos, pero al final había un monstruo y estamos todos muertos". El esquema se desarrolla gradualmente y sin demasiadas sorpresas, aunque es destacable que el ritmo no sea frenético y se intente construir una historia sin saltear etapas. Piegrande está muy bien construido y funciona muy bien cuando aparece de noche, pues de día se desdibuja un poco más allá de estar muy bien construido digitalmente. 

Lo positivo de Exists es que la historia no se agota en el descubrimiento del horror sino que hace base en ello. El filme termina siendo uno de supervivencia más que de terror, con el protagonismo exclusivo de un monstruo que está dispuesto a asediarlos hasta matarlos a todos. Desde este momento en adelante, la historia repunta y logra salir del lugar común sobre el que se instituye. Las actuaciones son buenas, cada cual cumple con un rol básico que es hacer de sí mismos y la dirección de Sánchez es un millón de veces mejor que la de la masa de imitadores que hay allí afuera en la jungla de Hollywood. Exists es un buen producto que no tiene muchas luces al principio pero termina mostrando sus virtudes de la mitad hasta la muy buena escena final. Con clichés y todo, logra llegar a la meta sin perder demasiado en el camino. 

Puntaje: 5/10

Kill Me Three Times

Siempre me intrigaron los filmes en los que sus protagonistas principales se encuentran muy lejos de su zona de confort. Por eso es que me gusta mucho la particular The Number 23 (2007), que nos muestra a un Jim Carrey en el rol más oscuro y perturbador de toda su carrera (sí y estoy sacando de la lista a Irene, Yo y Mi Otro Yo eh). En Kill Me Three Times, dirigida por Kriv Stenders, nos encontramos con el fenomenal Simon Pegg en un rol bastante más lúgubre de los que nos tiene habituados. Que el rey de la comedia británica haya cambiado de ecosistema al menos por un rato, es noticia suficiente como para prestarle atención a este filme.

La historia comienza con Charlie Wolfe (Simon Pegg) narrando su inminente muerte tras, en apariencia, haber recibido un balazo en una lujosa mansión con frente hacia el mar. Nos anuncia tres muertes y con un flashback las primeras piezas del rompecabezas comienzan a encontrar su lugar. Nos enteramos que Wolfe es un solucionador de todo tipo de problemas, pues se encuentra en plena persecución en unas dunas. Antes de liquidar a su víctima y culminar con su trabajo, recibe un llamado al que responde con un: "estaré allí en una hora". Su viaje continuará con nuevos flashbacks y flashforwards que lo cruzarán con diversos personajes, entre ellos un dentista y su ambiciosa secretaria, un marido violento y alcohólico que sabe que su mujer lo está por abandonar, un amante dispuesto a hacer lo que sea por su enamorada, un policía que trabaja como recolector de la mafia local...todos ellos piezas centrales de un rompecabezas que comenzará a ser armado en el momento en el que nuestro trabajador sicario entra en acción.

Kill Me Three Times es un intenso filme noir con un guión que tiene todos los elementos del Guy Ritchie más clásico y un ritmo más bien sacado de una película de Quentin Tarantino. La combinación es sin dudas interesante y entretenida, pero una vez que supera las primeras escenas - donde reina la confusión por los cambiantes marcos narrativos- se termina convirtiendo en un producto demasiado previsible, pues no agrega nada nuevo a algo que ya conocemos de memoria (y que preferimos verlo de la mano de los dos directores mencionados). El choque accidental entre dos personas o grupos que poseen el mismo objetivo y que sin saberlo se allanan el camino mutuamente para conseguirlo es una fórmula eficaz pero tan explotada ya, que en mayoría de casos es un cliché absoluto.

Pero hay cosas positivas en Kill Me Three Times, como el giro que la historia da en la tercera de las muertes. Ingenioso, lo mejor dentro de un guión bastante chato que, como ya dijimos, se basa en la conexión de todos los personajes con dos o tres elementos centrales que hacen al todo como si fuese una gran telaraña. La tragedia y la sangre signan el camino del protagonista, aunque la pantalla no se tiñe de rojo comparativamente con como es preanunciado en las escenas iniciales.

Simon Pegg sale ileso de este experimento, luciéndose en un rol inesperado e intransitado por él. Humor negro y mucha maldad que logran generar una buena conexión con el espectador y hasta simpatía pues en un mar de personajes que son uno más chanta que el otro, al menos él intenta cumplir con su trabajo de manera - relativamente- limpia.

El cierre es muy bueno y logra sacar un poco el elemento previsible del medio. Esto sumado a la performance de Simon Pegg y a la dinámica que de a ratos el director le logra inyectar a la trama, consiguen salvar a Kill Me Three Times de un aplazo cantado. Las demás actuaciones - sobre todo las de Teresa Palmer y Alice Braga- son buenas y no se puede decir mucho en contra de los aspectos técnicos del trabajo detrás de cámaras, pero no por esto Kill Me Three Times deja de ser un filme calcado de cualquiera que esté dentro de la filmografía de Guy Ritchie.



Puntaje: 6/10

Taken 3

Comencemos esta crítica con un pedido: es hora de que Liam Neeson deje de repetir el mismo personaje, o por lo menos no más de una vez por temporada. Desde la primera película de esta trilogía allá por el año 2008, hemos visto como este talentoso actor irlandés ha interpretado mayoritariamente roles que lo tenían como héroe de acción. Dentro de esta larga lista les recomiendo la magistral Unknown (2011) y sin dudas la ya mencionada Taken (2008) que fue el filme que lo relanzó en una industria que de a poco comenzaba a darle la espalda. Nobleza obliga, es innegable que esta particular combinación entre John McClane y Ethan Hunt que encarna el bueno de Neeson genera simpatía, entretiene y logra mantener a la audiencia enganchada hasta el final. Pero ya haberlo tenido solamente esta temporada en dos roles prácticamente iguales, terminó por ser la gota que rebasó el vaso. El mismo actor sostuvo en una entrevista durante la gira promocional de Taken 3 que por unos años iba a elegir otro tipo de rol con el fin de no cansar a los espectadores, más allá de que los números siguen siendo redondos.

Ahora hablemos de Taken 3, filme que parece cerrar de una buena vez una saga que se estaba convirtiendo en una parodia de sí misma, aunque no por ello se puede afirmar que es aburrida. Si hay algo de lo que no carece la película es de dinámica y muy buena acción, de esa que nos retrotrae a los años dorados del género en la que los efectos especiales eran apenas una excepción y/o acompañamiento y no la norma. Aquí nos encontramos de nuevo con la dirección de Olivier Megaton y el guión de Luc Besson, en una nueva aventura del sufriente pero duro Agente Bryan Mills (Liam Neeson). Tras primero haber rescatado a su hija adolescente de una red de trata en Europa Oriental y luego haber salvado a su mujer que casi muere asesinada en venganza por el desbaratamiento de aquella mafia europea, ahora Bryan tiene problemas un poco más terrenales. Leonore (Famke Janssen), que ahora es su ex esposa, no está muy conforme con su matrimonio y se la pasa coqueteando con él sin parar. Como si esto fuera poco, su eterna princesa Kim (Maggie Grace) está embarazada de un novio más bien particular y por el momento esconde su situación por lógico miedo a que todo estalle por los aires.

Tras una extraña visita nocturna de Stuart (Dougray Scott), el nuevo marido de Leonore, recibe al otro día un mensaje de ella diciéndole que quiere verlo de manera urgente en su departamento. Llega con café y bagels recién horneados y se encuentra con ella muerta en su propia cama. Al instante llega la policía que lo detiene parcialmente pero él logra a las patadas escaparse para iniciar la tradicional huida por los suburbios de Los Ángeles - sí, con saltos a los alambrados incluidos-. Aparece en escena el Detective Franck Dotzler (Forest Whitaker) que si bien no está demasiado convencido de la culpabilidad del nuevo prófugo, tampoco está con muchas ganas de incumplir con sus ordenes y lo que él cree es su deber. Bryan comienza así un camino a contrareloj para mantener a salvo a su hija, confundir a la policía, atar todos los cabos y dar con el responsable del asesinato de Leonore.

La tensión del filme está muy bien llevada de la mano de un director que, como buen discípulo de Luc Besson, sabe como crear buenas escenas de acción pura y dura. Liam Neeson y Forest Whitaker cargan con la historia sobre sus anchas espaldas sin mayores problemas, con una química ideal que convierte el trabajo en un mero trámite. El duelo entre gato y ratón que ambos llevan adelante es el centro de la trama, con pequeños bocados de sangre, fuego y trompada limpia cada tanto. Hay un exceso de momentos lacrimógenos que hace que Taken 3 pierda de a ratos su intensidad, pero todo el camino del héroe hacia su objetivo final es el mismo que en las dos antecesoras.

El guión no es para nada complejo, más bien todo lo contrario. Besson combina muy buena acción con el muy buen trabajo de dos actores con mucho oficio que no trabajan de taquito, por lo que levantan bastante lo que, caso contrario, sería otro filme basura sobre temas como la mafia, la policía corrupta, etc. El trabajo de Liam Neeson es digno de ser remarcado una vez más, ya que irradia simpatía por los poros y al mismo tiempo logra dar con la dureza necesaria para su personaje. Sus frases duras, terminantes, su tono ronco y esa mirada de nulos amigos arman un coctail explosivo con el que mejor no meterse. Lo que no queda bien es que hayan estirado sus acciones al límite total, alcanzando ya el delirio de todas las Misión Imposible y del nuevo James Bond.

Olivier Megaton pone ante nosotros todos los clichés y trucos baratos de edición que pertenecen al género. Taken 3 es entonces un filme chato por donde se lo mire pero que es efectiva si se consideran sus objetivos. El giro del final no es ninguna maravilla, pero al menos saca a la historia de la monotonía habitual y da pie a los fuegos artificiales con los que cierra la función ¿Entretiene? Sí ¿Es buen cine? Claro que sí, aunque eso depende de los gustos de cada uno. Taken 3 peca por repetirse una vez más, dejando en claro que ni el maquillaje puede sostenerla ya en el tiempo. Y una de las razones para demostrar esto es el que hasta Liam Neeson mismo esté harto de jugar este mismo rol ¿La paradoja? Que es justamente su presencia la que termina por darle el aprobado al filme.




Puntaje: 6.5/10

Cub

El cine belga sigue demostrando además de vigencia, una notable vitalidad a la hora de renovar géneros en los que no parece haber muchas más cosas para inventar. Jonas Govaerts es el director de este interesante filme titulado Cub que explora un camino no demasiado transitado: el del terror para niños. No me refiero solamente a que sean jóvenes de menos de 12 años quienes protagonizan la película sino a que más allá de su componente gore, apunta a un público no tan grande en lo que a edad se refiere. Claro que todos pueden disfrutarlo, pero tengo la sensación de que es un producto más bien pensado para asustar a un determinado target y no a todos los espectadores que tengan la posibilidad de verlo. 

La trama no posee demasiada complejidad: un grupo de Boy Scouts que responde al nombre del filme, va a pasar un fin de semana de campamento a un territorio en el medio del bosque. Los dos líderes, Peter (Stef Aerts) y Chris (Titus De Voogdt), se la pasan todo el camino hablándoles del misterioso y terrorífico "Kai" que según cuenta la leyenda es una bestia poderosa que se esconde en lo salvaje. Para agregarle un poco de pimienta al asunto y tener a los chicos entretenidos, les avisan que muchos testigos avistaron a esta criatura justo en las inmediaciones del lugar al que se están dirigiendo tan inocentemente. La relevancia que le dan es nula pero uno de los chicos, Sam (Maurice Luijten), se lo toma bastante en serio al punto de que desde la camioneta que los transporta cree ver algo moviéndose entre los árboles.

En una parada, Peter entra en conflicto con dos muchachos que están jugando con un auto en el terreno donde en teoría debían acampar los Boy Scouts. Se terminan yendo tras un par de trompadas y no escuchan la advertencia desesperada de uno de estos, pidiéndoles que se mantengan alejados del peligro. Una vez que se asientan en el lugar, Sam se encuentra cavando un gran pozo a metros del campamento. Siente una presencia detrás suyo y sale corriendo hacia donde están sus compañeros, avisando que el "Kai" está cerca. Lo que recibe son golpes y burlas de parte de la mayoría así como también de Peter, que parece tener un ensañamiento particular con el chico. Este escenario es habitual para Sam, huérfano y rescatado por Chris del orfanato hace ya varios años.

Cuando cree que todo es producto de su imaginación, se encuentra con una enorme guarida construida con ramas, que cuelga de un enorme árbol. Antes de poder siquiera inspeccionarla, el supervisor del grupo lo lleva de las narices de vuelta hacia las carpas. No pasará mucho tiempo para que Sam se de cuenta que la historia del "Kai" no es ningún chiste y que tal vez sea necesario empezar a dormir con un ojo abierto y su navaja en la mano.

Cub es una película interesante, no tanto por la trama sino más bien por la manera en que lo real y lo imaginario no poseen una frontera tan claramente demarcada. El director de a ratos nos confirma que todo es parte de la realidad, pero aún así logra confundirnos pues todo es demasiado extraño. El terror es construido de una forma progresiva y sin abusar del susto fácil, aunque la primera parte es demasiado extensa y no posee ningún tipo de acción más que verlo a Sam ser sometido al bullying más básico posible.

Los interrogantes que se van generando son respondidos con buen timing, por lo que el interés en la historia jamás se pierde. Si bien la naturaleza de la amenaza es revelada antes de la mitad de la película, esto termina siendo tan solo una ínfima parte del peligro que se cierne sobre estos Boy Scouts. Sorprende que dentro de esta temática haya tanta violencia y sangre en estado puro, crudeza total, sin importar que sea un filme protagonizado por niños. La crítica político-social - algo que nunca falta y que muchas veces sobra- está en los pliegues del guión y sirve como justificación para el particular juego macabro que se desarrolla en ese bosque europeo.

Cub funciona como un raro espécimen que se mueve entre el gore y el slasher - a sabiendas de lo borrosa que es la frontera entre estos dos géneros, imaginen- y que posee influencias variadas. Desde Friday The 13th (1980) hasta Joy Ride (2001) nos podemos encontrar con filmes de los que Cub supo extraer algunas buenas herramientas. El cierre de la historia es buena, no deja cabos sueltos y resuelve el intrigante flashback que da inicio al filme con sobriedad, lo cual en estos tiempos no es poca cosa.

Cub posee un guión simple pero no por ello tonto y una dirección óptima. Las dosis de gore son perfectas y la atmósfera es creada de manera progresiva sin saltar ningún paso. El salto del espectador es buscado en algunas ocasiones, pero no en abundancia y las actuaciones son más que razonables. Los clichés dan el presente pero el Govaerts se encargó de reducirlos al mínimo posible y/o de darles una vuelta original. Cub logra aprobar porque dentro de un ámbito en el cual la repetición es ley, al menos busca ser una bocanada de aire fresco. Hay detalles, claro ¿Pero que es la vida sin esos detalles?



Puntaje: 6.5/10

Backcountry

Apenas vi el afiche promocional de Backcountry y la leyenda de "basado en una historia real", me acordé de ese gran documental de Werner Herzog titulado Grizzly Man (2005) donde mostraba mediante la edición del material crudo filmado en sus expediciones a Alaska para proteger a los osos grizzly, la trágica historia de los activistas Timothy Treadwell y Amie Huguenard. También me vino a la cabeza Jaws (1975) pues la imagen del oso acechando a uno de los protagonistas sin que este se de cuenta que está allí es un guiño demasiado obvio como para ser dejado de lado. Dirigida y escrita por Adam MacDonald, Backcountry - como puede verse- de entrada prometía mucho y algunas críticas habían sido bastante elogiosas con el filme. Nada podía hacernos pensar que iba a terminar viendo un producto bastante mediocre que se queda a mitad de camino en cada una de sus propuestas.

La trama es bastante fácil de seguir, nada demasiado complejo o filosófico: Alex (Jeff Roop) y Jenn (Missy Peregrym) son una joven pareja que sale de su rutina ciudadana para tomarse un fin de semana en lo salvaje. Él es un amante de la naturaleza, pues ha crecido entre los árboles y recorriendo reservas naturales, y dice conocer al parque nacional canadiense donde se dirigen como la palma de su mano. Ella es claramente un bicho de ciudad, aferrada a su celular todo el tiempo pero dispuesta a lanzarse en brazos de lo desconocido. Sus miedos y precauciones son objeto de burla de su pareja, que parece desconfiar bastante de los movimientos de la mujer a la que ama - digamos que, más allá de no tener razones concretas, cree que ella se la pasa coqueteando con cuanto hombre le pasa por al lado-. Más allá de esto, el viaje tiene un propósito y el lugar para concretarlo es un pasaje llamado Backfoot. El supervisor del parque le explica que no puede ir porque esta temporada se encuentra cerrado al público y le ofrece un mapa que es rechazado con altanería por él. Cruzan a remo un hermoso y ancho lago, con la clásica panorámica del mundo sin edificios ni ruido, y llegan al punto de partida. Todo un cliché hasta el momento, bastante lento y sorpresivamente consumidor de demasiados minutos sin sentido alguno. La acción que tanto se promete tarda en llegar y esto es raro porque no hay nada en la historia que amerite un desarrollo demasiado profundo.

En apenas medio día, todos los problemas que Alex y Jenn poseen como pareja afloran e implosionan. Celos, rencores, conflictos bobos...cuestiones que la rutina frenética del trabajo y la ciudad no suelen dejar salir pero que se hacen presentes con un poco de silencio y momentos en soledad el uno con el otro. Un nuevo cliché argumental, pero que no molesta demasiado porque sabemos que a la vuelta de la esquina se encuentra un feroz oso que tratará de comerlos por haber invadido su territorio de forma accidental. Pero nada de esto sucede, porque en su primera noche cruzan camino con un irlandés bien turbio llamado Brad (Eric Balfour) que es invitado por Jenn a cenar y no para de tirarle los perros y de desafiar a Alex que no reacciona ni siquiera ante la mirada de susto de su novia. Cuando retoman el camino tras ese mal trago, el joven explorador se topa con una gran huella pero decide ocultar esta información para así poder seguir adelante con su plan romántico. Una segunda noche en vela tras escuchar ruidos extraños fuera de la carpa y una serie de destrozos en el perímetro son suficiente como para asustarlos, aunque no para detener su paso raudo hacia Backfoot. Alex se dispone a mostrar que controla la situación, que conoce el lugar mejor que nadie y que ni un león va a detenerlo en su intento de recomponer una pareja visiblemente estancada.

Backcountry llega a su clímax cuando los dos protagonistas en lugar de toparse con una gran laguna (que da comienzo al pasaje hacia el que se dirigen) encuentran una marea de árboles que no parece tener fin. Poco tardan en darse cuenta que sus vidas corren peligro, pues un oso grizzly adulto y muy agresivo - con toda la razón del mundo, si lo pensamos objetivamente- los está acechando hace varios días.

La tensión está sin dudas bien construida más allá de la pereza con la que se desenvuelve el guión. El modelo a seguir es el de Jaws sin lugar a dudas, sugiriendo mucho más de lo que finalmente se termina mostrando. La confrontación final es bien explícita y no apta para personas con un estómago y mente sensibles. Cualquier amante del gore como quien escribe estas líneas, se encontrará muy agradecido con este detalle. Backcountry es una cacería combinada con un drama sentimental que nada tiene que envidiarle a cualquier libro de Nicholas Sparks (esto dicho en el peor de los sentidos posibles). El ser humano termina siendo presa dentro de ese hermoso, peligroso e intrigante laberinto que es la naturaleza.

Más allá del ambiente tenso, no suceden demasiadas cosas hasta los minutos finales. La acción pura y dura es bastante poca en comparación con el bodrio que hay que aguantar hasta llegar a ella. Y a decir verdad, si bien es lo suficientemente sangrienta, tampoco posee una duración que compense el tiempo perdido con una historia de fondo que no es para nada interesante más allá de estar construida a un buen ritmo. El filme vira de un drama clásico a una Blitzkrieg donde la supervivencia lo es todo, aunque ya sepamos lo que le va a pasar a al menos uno de nuestros aventureros. Se pueden visualizar elementos de esa obra maestra del terror llamada Open Water (2003) y de la sólida 128 Hours (2010). Me niego a colocar a la gloriosa Into The Wild (2007) en esta lista porque sería un insulto, aunque sí pondré a la ya mencionada Grizzly Man (2005) solamente por la temática que comparten.

Backcountry posee una ambientación espléndida, con paisajes hermosos que ponen la piel de gallina de tan solo pensar en su existencia. Esta belleza hace de fondo a la batalla palmo a palmo entre la bestia y el hombre, aunque en realidad debería llamarlo una carrera de los protagonistas hacia la salvación pues en la pelea no tienen chance alguna. MacDonald muestra un muy buen manejo de cámara, con la dosis exacta de frenetismo y firmeza, y la edición de imagen y de sonido es optima. Las actuaciones son aceptables, nada del otro mundo pero pasan el examen sin demasiadas complicaciones.

Lo que enoja de Backcountry es que anuncia algo impresionante y lo único que termina entregando es una resolución a velocidad luz de todos los conflictos que plantea. Se le vende al consumidor un filme de supervivencia pura, cuando en realidad esta ocupa apenas 15' de los 92' de duración. El cierre es demasiado apurado y más bien obvio, poniéndole el moño a un show de previsibilidad que nunca consigue salirse del esquema. La labor técnica es muy buena, los actores más que decentes y la idea es interesante, pero para poder tener éxito hay que saber plasmar todo eso en la pantalla. Una verdadera lástima, una hora y media a la basura.

Puntaje: 4.5/10 

What We Do In The Shadows

Tanto el cine noecelandés como el australiano, se encuentran en un período muy dulce. En pleno ascenso y siempre sorprendiendo, cosechando premios y elogios al por mayor a cada nueva temporada. La innovación es una de las características principales del cine proveniente de Oceanía y este filme titulado What We Do In The Shadows no es la excepción a la regla. Dirigido por Jemaine Clement y Taika Waititi, que también se ponen en la piel de dos de los protagonistas, obtuvieron nominaciones y victorias en premios locales y también internacionales. Entre las más destacados se encuentran el popular y revulsivo "Midnight Madness" dentro del Festival de Toronto, el "Feature Filme" en Varsovia y estar en la terna para el Oso de Cristal en el Festival de Berlín. No es poco para una película con tan poco presupuesto, una nula cantidad de publicidad (el cartel es desconocido) y con muy pocas pantallas en los Estados Unidos el día de su estreno - ni que hablar de su recaudación, apenas encima del millón de dólares-. Veamos de que viene la cosa en What We Do In The Shadows para entender porqué es una de las mejores comedias de los últimos tiempos.

What We Do In The Shadows es un mockumentary, osea que simula ser un documental pero en realidad es una sátira del género. Sin demasiadas introducciones, nos encontramos con una grabación exclusiva que un grupo de documentalistas humanos realiza acerca de unos milenarios amigos que residen en Nueva Zelanda. Se trata de Viago (Taika Wititi), Vladislav (Jemaine Clement) y Deacon (Jonathan Brugh), tres vampiros que hace ya demasiados años como para contarlos con los dedos viven juntos en una vieja casona neocelandesa. La intención de los realizadores es documentar la preparación de este trío para la gran fiesta que los no-vivos celebran año a año en el país. Todos reciben un crucifijo y la protección garantizada de estos simpáticos y atormentados vampiros.

Lo que vemos a continuación es la cotidianidad absoluta, desde el despertar de Viago a las 6PM - sí, con el ataúd y la levitación incluidas- y su recorrida para sacar de la cama a sus otros compañeros. Rápidamente entra en escena un cuarto integrante de esta peculiar familia llamado Petyr (Ben Fransham), el más antiguo de la casa que vive en el sótano y es el más arisco del grupo. Todos los clichés del universo cinematográfico vampírico se reúnen bajo un mismo techo: el rockero melancólico y agresivo, el que es idéntico a Nosferatu, el rebelde sin causa y el simpaticón que siempre busca solucionar todo con una sonrisa. Las primeras imágenes los muestran debatiendo acerca de la división de tareas cotidianas como cualquier hijo de vecino y luego se abocan a contar sus historias de vida. Cada uno se sienta frente a la cámara y en el formato documental clásico - grabaciónes viejas con las entrevistas intercaladas- explica como llegó a ser una de estas criaturas de la noche. El pasado sale a la luz y nos encontramos con esclavistas, soldados nazis y demás. Una sucesión de fotos de ellos tres desde el día en que se conocieron hasta la actualidad, como un álbum familiar, nos introduce de lleno en la segunda parte del filme.

La idea de What We Do In The Shadows es francamente sensacional y original en una era donde el género se hunde la repetición y en el fenómeno de los vampiros que enamoran adolescentes y comen pocos humanos. Es hilarante ver como los protagonistas se ríen porque no tiene manera de saber como se ven antes de salir a conquistar chicas al centro de la ciudad. Sus intentos de ingresar a los bares con la invitación necesaria, las burlas que reciben por sus anticuados y particulares atuendos, los otros grupos de vampiros con los que se cruzan, las peleas con unos hombres lobo, su manera de lidiar con los Van Helsing del siglo XXI...Todo esto dentro de un marco de "normalidad" muy bien armado por los directores y actores, que desde sus personajes deciden burlarse del género con autoconciencia plena. Es refrescante ver a vampiros reírse de los propios clichés del cine que los ha retratado desde hace casi 100 años.

What We Do In The Shadows es un filme sangriento e incorrecto que supera todos los límites. Y lo hace de la mano de un humor negro que se estrella contra el espectador generándole una satisfacción absoluta. Lo más hilarante es ver como entre la organización de emboscadas a seres humanos (con la infaltable ayuda de una entusiasta aliada humana a la que le prometieron la vida eterna pero hasta el momento no se la dan bajo excusas ridículas), estos tres amigos inseparables pelean contra sus propios fantasmas y enfrentan una rutina que al fin y al cabo los enloquece. Debajo de esta superficie llena de humor, reside un deseo reprimido por siglos: las ganas de volver a ser humanos, de despojarse de la maldición que los hace distintos. El problema de identidad está muy bien abordado por los directores y guionistas (sí, también son ellos dos), pues la condición de vampiro no es más que una condena a vivir para siempre en las sombras y negándose a uno mismo.

What We Do In The Shadows es - además de una comedia que hace reír a carcajadas- una poderosa reflexión a través del humor más oscuro y loco posible acerca de la vida misma y del precio que estos queribles personajes deben pagar para ver como generación tras generación ellos siguen idénticos al momento en el que fueron transformados. Si bien es un mockumentary y una sátira, se mueve dentro de las paredes del género de vampiros sin demoler sus estructuras más básicas.

Las actuaciones son muy buenas, el vestuario exuda moho y tanto la luz como los planos están usados con mucha precisión. La dirección y el guión le dan impulso a una película que bien podría ser otra más dentro del sub-género de cámara en mano, pero que se muestra como una novedad dentro de la comedia. What We Do In The Shadows se define por sobre todas las cosas como una excelente sátira de las películas clásicas de vampiros - con menciones sutiles a las más nuevas y no tan buenas como aquellas- que entrecruza varios géneros que según la lógica no tienen demasiados puntos de contacto. El resultado es una mezcla que termina por ser eficaz, ya que logra entretener y hacer reflexionar al mismo tiempo. Si logran conseguir este filme, sepan que no se lo pueden perder.




Puntaje: 8.5/10

The Loft

En el año 2008 el cine belga nos proveyó de una gran experiencia de la mano de Loft, un thriller dirigido por Erik Van Looy que contaba la historia de cinco amigos (todos neo ricos, el equivalente a los yuppies modernos) que deciden comprar un lujoso piso en el medio de la ciudad y compartirlo para llevar a sus amantes sin ser detectados por sus esposas y novias. Todo anda de maravillas hasta que una mañana, uno de ellos ingresa y se encuentra con el cuerpo de una joven mujer en la cama. Esposada a un barrote del respaldo y bañada en sangre, desata un caos en el que todos comienzan a sospechar del otro. Una amistad de años, en apariencia sin demasiadas grietas, se pone en riesgo ante la posibilidad de ir a la cárcel en una previsible condena por asesinato. Van Looy decidió 5 años después de aquel éxito, seguir el camino de Michael Haneke y realizar una remake para el mercado norteamericano. Cuadro por cuadro, sin alterar prácticamente nada, como aquella doble función de la brillante y perturbadora Funny Games (la original alemana en 1997 y su reversión americana en 2007). El resultado es parejo y logra dar con un resultado que la coloca a la altura de su espejo, más allá de que algunas cuestiones referidas a las interpretaciones - que son buenas y punto- le quitan un poco de calidad a The Loft en comparación con la original

Los elegidos para ponerse en la piel de estos cinco amigos de toda la vida son James Marsden, Karl Urban, Wentworth Miller, Eric Stonestreet y Mathias Schoenaerts. No es un elenco destinado al mayor de los brillos, pero todos han probado su eficacia en series y películas de todo tipo y especie en los últimos 20 años. El planteo es el mismo que se relató en el párrafo anterior: el loft para no ser descubiertos por sus parejas, las relaciones quebradas e hipócritas que generan esta situación, una joven mujer muerta sobre la cama y una inscripción en latín con su sangre. Luego de superar la desesperación inicial, comienza una cacería brutal en la que cada uno intentará salvarse sin importar si los demás se hunden. De repente todos los trapitos salen al sol y el espectador se da cuenta de que las cosas no andan tan bien dentro de un grupo que aparenta unidad y complicidad - en el buen sentido, claro-. Una serie de flashbacks y flashforwards es lo que logra darle dinámica a la trama, llevándonos constantemente por las tres dimensiones temporales para que de a poco vayamos atando los cabos sueltos.

Mientras todos se someten al interrogatorio de la Policía, se debaten entre encontrar un culpable entre ellos mismos o mantener el pacto de silencio. Oscuros secretos se esconden tras las paredes de ese silencioso y amplio departamento y esto crea una tensión que siempre está a punto de estallar. El guión logra confundir al espectador al máximo pues lo lleva hacia todas las hipótesis posibles y cuando nos convence de que hemos encontrado al responsable, la hace volar por los aires sin complejos. The Loft es interesante y logra atrapar porque a la luz del público todos los protagonistas podrían ser los culpables. En esto es exactamente igual a su molde, no hay demasiados cambios más allá de la locación geográfica.

En sintonía con un filme como Gone Girl (2014), tenemos ante nosotros un duro retrato de la hipocresía que puede llegar a ser el matrimonio. De todo lo que se oculta tras la foto resplandeciente del día de la boda. Bart De Pauw repite como guionista y da en la tecla a la hora de reinventar - manteniendo la base intacta- un policial atrapante que mezcla elementos del thriller y del drama clásico. De a poco, todos los elementos del rompecabezas van encontrando su lugar en la historia para dar lugar a algo bastante más grande que el mero asesinato. No hay detalle que deba ser dejado al azar o ignorado, aunque muy gentilmente el director ejecuta un veloz repaso antes del cierre para que los menos precavidos no se vayan sin entender lo que sucedió.

El manejo de planos de Van Looy es sensacional y la edición de sonido es muy buena. En conjunto, imagen y sonido logran generar un ambiente lleno de dudas que termina por entregarnos un desenlace más relacionado con el desamor más chato y la venganza más pura. Los giros en la trama no cesan hasta los minutos finales y nos atan a la pantalla de una manera irremediable. Las actuaciones de los cinco nombres principales es muy buena y sus compañeras (Rhona Mitra y Valerie Cruz principalmente) no desentonan en absoluto. Sin hacer algo despampanante, todos se reparten el protagonismo en idénticas cuotas y con la solidez suficiente como para no quitarle ritmo al filme. The Loft es tragedia y misterio al por mayor, una remake que aprueba el examen en una época donde estos experimentos suelen estrellarse contra el suelo. Erik Van Looy tomó el camino de la audacia al imitar el bestial doble trabajo de Michael Haneke y salió ganador: más de estos tipos son necesarios en la industria del cine.




Puntaje: 7/10