Bad Neighbors

Seth Rogen es además de una persona realmente genial con la que dan ganas de salir de joda, uno de los mejores comediantes de la década. El año pasado tuvo su primera experiencia como director en la delirante This Is The End y se apresta a estrenar The Interview en la que junto a su amigo James Franco - lo cual es garantía de diversión a gran escala, si no me creen miren Pinneaple Express y la ya mencionada This Is The End- se colocará en la piel de un periodista ávido de reconocimiento profesional. Para conseguirlo los dos se embarcarán en una misión casi imposible y demasiado peligrosa: entrevistar en Corea del Norte al dictador Kim Jong-Un. En Bad Neighbors, Rogen (que también es productor del filme) es dirigido por Nicholas Stoller que es ni más ni menos que el responsable de la fenomenal Forgetting Sarah Marshall y de su brillante spin off Get Him To The Greek. Cuando dos profesionales de semejante calibre se juntan, es difícil que las cosas salgan mal. El resultado de esta sociedad es una de las mejores películas del año y otra prueba de que la nueva comedia norteamericana, además de estar en su pico más alto, también nos puede ofrecer productos de gran calidad pero con marcadas diferencias de estilo.

Marc (Seth Rogen) y Kelly Radner (Rose Byrne) son una joven pareja que se ha mudado hace poco tiempo a los suburbios. Poseen una casa espaciosa y cómoda en un ambiente más bien tranquilo y familiar. Su pequeña hija recién nacida les ha cambiado la vida por completo, al punto de ambos quedar absorbidos por la atención que un bebé requiere en sus primeros meses de vida. Al mismo tiempo que se asientan en su nueva casa, están tratando de recuperar su vieja rutina algo en lo que no obtienen demasiado éxito. Como si la típica crisis de pareja tras la llegada del primer hijo no fuese suficiente, se muda al barrio una fraternidad llamada "Delta Psy" y trae consigo sus legendarias fiestas que nunca terminan. Liderados por Pete (Dave Franco) y Teddy (Zac Efron) primero hacen buenas migas con sus nuevos vecinos pero las cosas no tardan en ponerse ásperas. Tras un primer acercamiento en el que son invitados a una de esas fiestas salvajes y ruidosas - casi como un soborno para que no se quejen más-, Marc y Rose llaman a la policía hartos de los ruidos que se repiten a cada noche. Lo que ninguno de los dos se imaginaba era que el mismísimo infierno se desataría llegando la confrontación a superar el límite total de lo absurdo. Sintiéndose traicionados - y ante un ultimátum de parte de las autoridades de la universidad Pete y Teddy juran vengarse y dan comienzo a una guerra de guerrillas en la que solamente una casa quedará en pie.

Las actuaciones de Franco, Rogen, Byrne y Efron - como actúa este flaco, nada le sale mal y pensar que todavía existen pelotudos que lo defenestran solo por ser un ex High School Musical- son un delirio en sí mismas. Los cuatro parodian a los personajes ya de por sí típicos que deben representar y lo hacen para el aplauso. Todos son excepcionales actores, pero aquí lo relevante es que forman parte de un esquema que va más allá de sus interpretaciones individuales. Lo que intenta - y consigue con varios metros de ventaja- hacer Bad Neighbors es reírse de sí misma, de la comedia norteamericana. Los clichés están más que a la vista y además incluye la típica lista de personajes secundarios que con apenas un par de apariciones se roban el filme entero. La pareja amiga de Marc y Kelly, el policía que tiene que lidiar con la psicosis de todo un vecindario y el genial y bien dotado Scoonie (Christopher Mintz-Passe también en clave "me cago de risa de mí mismo" pero cinco cambios más arriba que el resto del elenco) sirven por sobre todo para dejar en claro el norte hacia donde apunta esta película. Cualquier producto que busque divertir parodiándose - y logre hacerlo sin perder la estructura ni el espíritu- siempre es un respiro dentro de una industria donde abundan los filmes que poseen demasiada autoestima sin material de base como para justificarla.

Usando el grotesco total que más allá de su rebeldía - sorpresivamente- no supera los límites razonables del buen gusto a pesar de alguna que otra escena subida de tono, Bad Neighbors construye también una reflexión acerca de los dos momentos que representan un importante quiebre en la vida: el año final del colegio secundario y el nacimiento del primer hijo. En ambos nos posicionamos sin posibilidad de evitarlo ante un vacío si se quiere existencial, en el cual no sabemos con que nos vamos a encontrar una vez que demos ese tan temido paso hacia la madurez. El cierre es un fiel reflejo de lo complicado que es aceptar que hay un momento en el que las cosas cambian y que ya nada volverá a ser lo mismo. Sin ahondar demasiado en esto, el guión es inteligente ya que en vez de optar por un cierre optimista o chato elige subir la apuesta y en tan solo una toma regresa al tono original del filme para que nos vayamos cagándonos de risa,

Bad Neighbors posee varios elementos que lo hacen un muy buen filme. Además de las muy buenas interpretaciones, sin inhibiciones ni miedo al ridículo, y de la aceitada química entre las cuatro cabezas de cartel, en especial el tandem Efron-Rogen dos que son opuestos en todo sentido y justamente por eso parecen ser el uno para el otro- no faltan las referencias/chistes constantes a la marihuana, al sexo y al paso del tiempo que a pesar de ser anticipables en su mayoría no por ello dejan de ser muy divertidos. También vemos desfilar una serie interminable de guiños a diversos actores legendarios - antes que a una película en particular, lo cual es novedoso-, siendo la "Fiesta de Robert De Niro" uno de los puntos altos de este reciclaje express. Sin ser tan seria y reflexiva como, por ejemplo los filmes de Judd Apatow que poseen un sano equilibrio entre la locura y el mensaje social, Bad Neighbors se ríe de sí misma y logra ser ordenada en su propio desorden. En su segunda producción, Evan Goldberg y Seth Rogen son mucho más prolijos que en This Is The End pero empiezan a mostrar varios rasgos distintivos - argumento más descontracturado, casi nula corrección política y uso muy limitado de la nostalgia y el drama familiar/social- que los posicionan dentro de la comedia norteamericana como un serio contendiente al trono del "Rey Apatow".    



Puntaje: 9/10


  

Snowpiercer

Bong Joon-ho es uno de los mejores directores de estos tiempos. Nacido en Corea del Sur, es uno de los principales exponentes del nuevo cine coreano que tanto interés y entusiasmo genera en cada estreno. Hay tres filmes de este virtuoso y adrenalínico director que voy a recomendarles: Crónica de un Asesino en Serie (2003), The Host (2006) - tal vez la mejor película sobre monstruos que se haya filmado- y Mother (2009). Alrededor de su nuevo producto titulado Snowpiercer hubo una pequeña polémica que termino con el estudio de los hermanos Weinstein cortando el original para su visualización en los Estados Unidos. En otras palabras, si bien la idea y la estructura del filme no se ven mutiladas es cierto que molestan los tijeretazos cuando no son necesarios - y más si viene de seres tan jodidos como los Weinstein-. Más allá de este incidente, es un lujo que podamos acceder a una cinta tan atrapante y tan magistralmente grabada. El trabajo técnico de Bong Joon-ho es sin lugar a dudas de alguien que hace tiempo pertenece a las Grandes Ligas y que sabe muy bien como jugar en ellas para siempre sorprendernos y jamás perder nuestra atención.

El planteo es el siguiente: en el año 2031, el calentamiento global ha llegado a un punto límite. La solución que los distintos gobiernos del mundo proponen es una sustancia denominada CW-7 que en teoría se insertará en las capas más altas de la atmósfera y desde allí logrará bajar artificialmente la temperatura del planeta. Todo sale mal y el caos es absoluto: el mundo tal y cual lo conocemos se termina para siempre. La tierra queda cubierta por la nieve y el hielo eternos y allí abajo con ella, la mayoría de la humanidad. Aquellos con la suerte de sobrevivir, viajan dentro de un poderoso tren llamado "Rattling Ark" donde se vive bajo un estricto sistema de castas/clases sociales (la que más les guste). Para hacer fácil: atrás y en la miseria viajan los pobres y adelante en medio de la riqueza están los ricos que al mismo tiempo ejercen todo su poder sobre los que menos tienen. La explotación de parte de quienes ostentan dinero y posición social alta es escandalosa, al punto de que la existencia de "los de la parte trasera" termina siendo un régimen liso y llano de esclavitud. Curtis (Chris Evans), Edgar (Jamie Bell) y Gilliam (John Hurt) planean llegar a la locomotora de la formación y tomar el poder. Subvertir el orden deshaciéndose de su clase y lograr la tan ansiada revolución que libere a los oprimidos. Allí los espera Mr. Wilford (Ed Harris) que es una especie de Dios omnipotente que tiene ojos en todos los vagones y guía al rebaño hacia su salvación en medio de tanto dolor y destrucción. El camino no será nada fácil y no estará exento de pérdidas, pero para los tres protagonistas ha llegado el momento de deshacerse de las pesadas cadenas y de ponerle fin a la tiranía.

Snowpiercer es básicamente un filme de acción con un gran tinte político. Intenso y violento, lleno de sangre y de pedazos de cuerpo que vuelan por todos lados en cada secuencia de combate. Pero además de la belleza y la precisión para filmar y editar estas escenas de parte de Bong Joon-ho (un prodigio en el manejo de cámaras), es importante poner en el centro todos los temas que el muy inteligente guión toca. Lo primero que surge es la idea de que aun en los tiempos más oscuros, donde ya no hay ni un atisbo de esperanza, la unidad y la solidaridad son dos cosas imposibles para el ser humano. Es como si no pudiese existir sin un esquema de explotación, donde los que más tienen pisoteen y vivan de quienes son el eslabón más débil de la cadena alimenticia. La violencia se presenta tanto es sus forma coercitiva como coactiva y es lo que mantiene este ordenamiento de los factores que no es ni más ni menos que el dominio de una clase sobre otra.

La analogía con dos filmes reciente como Elysium (2013) e In Time (2011) es lo primero que se nos viene a la cabeza. Está bien marcada la división entre el arriba y el abajo, por un lado ,y la loca, violenta y justa carrera de los lúmpenes hacia la parte más alta del esquema social, por el otro. Estas dos películas - como tantas otras, las tomé por su cercanía temporal- rompen con la idea que el poder dominante nos impone acerca de nuestro rol predeterminado en la sociedad. El famoso "Masterplan" no es otra cosa que una hoja de ruta definida por quienes detentan en un momento histórico el poder, en la que nosotros somos piezas que debemos mantenernos en nuestro lugar para que la rueda funcione. La escena del zapato en los primero minutos de Snowpiercer es un ejemplo bien acabado de esto que intento decir. Lo segundo que resalta es que de esta opresión asfixiante por lo general el único modo de escape es la rebeldía. Tras varias revueltas que terminaron en la muerte de sus gestores, Curtis y Edgar confían ciegamente en que está sí va ser la que tenga éxito. Como suelen pensar todos los revolucionarios que poblaron, pueblan y poblarán las páginas de nuestra historia (y lamentablemente habiendo fracasado casi todos aunque por distintas razones).

La parte gráfica es impecable y el uso del CGI es el necesario. La atmósfera que se vive dentro de los vagones traseros es la del fin de los tiempos, la de un mundo en el que hace mucho tiempo no sale el sol. La excelencia en este área es habitual dentro del cine coreano y en manos de uno de sus mejores "hijos" se hace disfrutable al extremo. Otras dos características que sobresalen son el fino humor negro, personificado sobre todo en la excentrica "Gobernadora" - un exquisita e irreconocible Tilda Swinton- y una forma general de represión que llega a ser hilarante por lo exageradamente fría y estadística que llega a ser. La eugenesia como el modo de "mantener el equilibrio" (ergo, el ser humano vive el caos y la explotación como normales) se puede ver bien clara en el show de métodos macabros que el poder usa para adoctrinar a los niños que viajan en el tren. La canción que todos cantan con una sonrisa dibujada en la cara tiene una reminiscencia al nazismo que asusta.

Snowpiercer es un retrato conciso y sólido de la humanidad. El fin de los tiempos, la lucha por el poder y la decadencia absoluta en la que vivimos se mezclan en un poderoso filme que está actuado - las expresiones de desesperanza y dolor que Evans, Hurt y Bell nos regalan son de lujo- y dirigido de manera brillante por un fenomenal director. Además de reflexionar acerca de la hegemonía y de como se la puede sostener, Snowpiercer nos dice mucho - tal vez demasiado- acerca de lo que somos como especie. Si tomamos el modelo del tren y lo comparamos con la forma en que nuestra sociedad global funciona, nos llevaremos más de una sorpresa. Bong Joon-ho vuelve a demostrar que los elogios no son en vano y que por suerte hay mucho más de él en el horizonte. El punto final de Snowpiercer es perfecto, el cierre de un círculo que es aun más espeluznante que el argumento en sí mismo. Una gema a la que está prohibido dejar pasar.



Puntaje: 10/10  

Lone Survivor

Pocas cosas atraen más al público norteamericano que los filmes centrados en el heroísmo de sus tropas. Y más si lo que se pone en pantalla está basado en una historia verdadera, como es el caso de Lone Survivor. Basándose en el libro homónimo escrito por el ex Navy Seal - el mejor cuerpo de elite que existe en el planeta- Marcus Luttrell, quien en 2005 llevó adelante  una de las acciones militares y de supervivencia más impactantes que se hayan visto, Peter Berg (Hancock, Battleship) logra armar un tour de force que involucra al espectador de forma directa con los acontecimientos y lo ata por completo al destino de un brillante y valiente soldado que tuvo que por poco dejar la vida para poder salir del mismísimo infierno. 

Lone Survivor comienza con un compendio de imágenes que muestran a la perfección el lavado de cerebro al que son sometidos los jóvenes apenas ingresan en el U.S Army. Es gracioso porque de a ratos parece un video de "El Arte de Vivir", inundado de huevadas al estilo de "tienes que superar los límites de tu propio cuerpo para ser un soldado" y demás eslóganes muy estudiados que sirven para enganchar a cualquiera en la locura que es la industria de la guerra. El escenario planteado es el siguiente: en 2005 un grupo de Navy Seals debe llevar adelante en Afganistán una de las misiones más complicadas de su carrera. El objetivo es un líder Talibán que se oculta en una comunidad bien adentrada en las rocosas montañas del país de Oriente Medio. Ya desde el planeamiento la misión parece suicida, pero hay pocas cosas que parezcan imposibles para lo mejor de lo mejor de las fuerzas armadas de los Estados Unidos. Liderados por Luttrell (Mark Wahlberg) estos soldados se posicionan para vigilar el lugar donde se esconde el terrorista, pero las cosas no tardan en complicarse. La decisiones que se ven forzados a tomar poseen un alto componente moral y termina por llevarlos a una situación de conflicto interno a horas de ejecutar la misión. Cuando todo se compromete al punto de poner en peligro sus vidas sin que hayan siquiera disparado una bala, deciden abortar el asalto. Liberan a los prisioneros - civiles- que habían tomado y suben hasta el risco más alto para aguardar por el rescate. Pero en tan solo unos minutos quedan incomunicados y rodeados por un enemigo que los supera por varios cuerpos y cae sobre ellos con todo su poder de fuego. No les quedará más que resistir y tratar de salir de allí, aunque el título ya anuncie cual será la suerte de todos sus protagonistas.

El tiroteo está filmado de una manera más que magistral. Mucha dinámica, muchos movimientos frenéticos de cámara y planos que se intercambian a máxima velocidad. Crudo y sangriento, sin escatimar en nada. Pura intensidad que tensa la cuerda hasta romperla en mil pedazos. Lone Survivor posee una estructura simple, siendo un filme que posee dos partes bien delimitadas: la batalla y la supervivencia posterior del protagonista tras las líneas enemigas. Mark Wahlberg se pone la película al hombro con todo su talento y oficio y consigue que uno se sienta identificado con Luttrell. Con todo lo que pierde en esa emboscada, que va más allá de lo soportable pues los demás Seals antes que sus compañeros de equipo eran sus hermanos. Este tipo de películas le sienta muy bien a Wahlberg que ya ha mostrado que puede pasar de la comedia (Ted, Pain&Gain, The Other Guys) al drama puro (The Fighter, la brillante Shooter) sin sobresaltos, asentándose como uno de los mejores actores de las dos últimas décadas. Con su mirada transmite sin fisuras el miedo y la desesperación de una persona que debe soportar el dolor - espiritual y físico- y vencer todos sus prejuicios culturales para poder salir vivo de lo que a primera vista va a ser su tumba.

Lone Survivor refleja de una manera muy eficaz la dura realidad de la guerra, cualquiera que esta sea. Lo peor que le puede pasar a un ser humano es tener la mente completamente cerrada y llena de odio siendo este el fruto de miedos y prejuicios que no son más que mentiras. Subyace además de una reivindicación de la idea de hermandad entre los soldados, una crítica potente hacia los conflictos bélicos que al fin y al cabo no son más que una carnicería humana en la que quienes mueven los hilos y satisfacen sus intereses jamás pisarán un campo de batalla.

Lone Survivor es un excelente filme, uno de esos que no pierde tiempo y va directo al punto. Ser concreto no es algo de lo que se puedan jactar muchas películas y creo que aquí el director Peter Berg dio en la tecla. Mark Wahlberg realiza un unipersonal fantástico en el que lo importante no es el - muy bueno por cierto- trabajo físico sino lo que nos dice con la mirada, con sus expresiones. Y en eso también tiene mucho que ver el trabajo del director que acierta plano tras plano en una sucesión de - como dirían los españoles- "dianas" pocas veces vista. Lo que nos queda como lección tras ver Lone Survivor es que aun en el peor de los círculos del infierno, siempre habrá seres humanos llenos de decencia y buenas intenciones que lo darán todo sin esperar recibir nada a cambio. Luttrell pudo ver y experimentar esto y escribió un gran libro - el cual recomiendo-, tal vez de los que más sirva a la hora de entender en la locura en que consiste la guerra.

Puntaje: 9/10   

Godzilla

Tras el desastre que hizo Roland Emmerich en 1998, al que inexplicablemente se prestaron dos fenómenos como Matthew Broderick y Jean Reno, la vara para el próximo que tomase la posta de Godzilla en el cine iba a estar muy alta. Tal vez esto suene extraño pues si la versión previa es muy mala por lo general alcanza con muy poco esfuerzo para superarla, algo que es verdad pero que no necesariamente hace de un filme uno muy bueno. Tras muchos años de idas y venidas, Gareth Edwards fue elegido para reivindicar a este legendario y adorado monstruo en la pantalla grande. La única película que este director tenía en su haber era la dispareja- pero interesante sin dudas- Monsters (2010), que partía de una muy buena idea pero con el correr de los minutos terminaba desdibujándose lo suficiente como para dejar al espectador con esa mueca de desencanto ante un proyecto que tenía todo para ser muy bueno pero que eligió conformarse con lo más simple. Esta nueva visión de Godzilla tiene mucho de ese primer largometraje de Edwards y para su desgracia no me refiero a los elementos positivos. La idea y los primeros 25' son muy buenos pero luego el filme entra en una curva descendente que apenas si levanta sobre el final.

El acierto inicial es re situar la historia en Japón (más allá de su posterior traslado lógico a los Estados Unidos), acercarla un poco más a su versión original y además el utilizar como columna vertebral la explosión nuclear sucedida en el país asiático hace tres años. Joe Brody (Bryan Cranston) es un ingeniero norteamericano que trabaja en la central nuclear de Janjira y que hace varios meses persigue un pulso electromagnético extraño y peligroso. Advierte acerca de los peligros que tamaños niveles de radioactividad conllevan pero no es escuchado. La destrucción de su lugar de trabajo no tarda en llegar y la ciudad que le hacía de marco es evacuada debido a los extremos niveles de radiación. Joe pierde a su mujer y colega en el accidente, quedando fijado en ese doloroso momento. Desaparece de la vida de su hijo Ford (Aaron Taylor Johnson) y se dedica a realizar incursiones a esta suerte de Chernobyl japonés para dar con la verdad. Tras 15 años se va a producir el reencuentro entre padre e hijo, ya que un recién llegado Ford - que ahora es Oficial de la US Navy- debe acudir en su auxilio luego de que en su enésima entrada ilegal a Janjira lo hayan capturado. Las asperezas no tardan en resurgir ya que uno sigue hablando de que aquella explosión no fue un accidente y el otro desea cerrar ese capítulo de su vida para siempre. Aun así Joe termina arrastrando a su hijo a la zona de la tragedia pues sospecha que el gobierno está ocultando algo allí. Tras descubrir que la radiación no es tal y que se puede respirar sin necesidad de una máscara, Ford comienza a entender a su padre y a unir los puntos. Lo que descubrirán en la vieja planta nuclear va más allá de cualquier explicación científica y representa un grave riesgo para la humanidad. Ambos verán como esta criatura gigante y poderosa se libera de sus ataduras y empieza su sendero de destrucción. La única solución parece ser otro monstruo legendario, que en un principio parece otra amenaza para el planeta tierra y por ello es atacado con todo el poder de fuego disponible. Pero no todo es lo que parece: Godzilla podría ser la única esperanza que el hombre posee para no ser borrado de la faz de la tierra.

Primero hay que decir que la introducción de Godzilla es excelente. El efecto de las bengalas en la oscuridad es utilizado a la perfección y la atmósfera creada es fenomenal debido al muy buen trabajo de edición que mezcla el punto de vista de los paracaidistas que se lanzan para rodearlo y diversos planos medios que nunca lo muestran por completo. No es lo mismo que en Cloverfield (2008) por ejemplo, en la cual apenas si veíamos al monstruo que destruía Nueva York pero hay un giro de 180° respecto al filme previo y termina siendo un acierto el exhibirlo lo justo y necesario. Desde la mitad en adelante, la película se convierte en un showdown entre los dos gigantes con los humanos como un accesorio que mira desde el costado sin molestar. El diseño del protagonista excluyente del filme es muy bueno y más si se lo compara con esa especie de lagartija cruzada con un T-Rex que nos había mostrado el bueno de Roland en el 98'. El contendiente de Godzilla es un enigma para quien les escribe porque más que un experimento que salió mal parece salido de un videojuego - y uno muy muy malo-. Creo que uno de los grandes errores del filme fue el no haber cuidado el diseño de un personaje tan importante para la trama y que está en pantalla en la mayoría de sus 123' de duración.

El mensaje contra el militarismo y en contra de la explotación de la naturaleza por parte del hombre está firme desde el primer minuto. La parte "humana" o actuada parece estar demás, sin ningún tipo de sentido ni mucho menos conexión con la cacería-lucha que se desarrolla por abajo y encima de ellos. Ayuda a esto también que las actuaciones sean muy chatas, solo resaltando lo hecho por Bryan Cranston y Elizabeth Olsen (como la esposa sufrida de Ford) en los exagerados pocos minutos que tienen de protagonismo. Mirando todo en perspectiva, tal vez lo ideal habría sido irse realmente a las bases y recortar las partes donde intervinieron los actores. Hacer una larga y rimbombante pelea, con el mundo como premio, de los dos colosos. Tal vez sea demasiado dura mi perspectiva, pero el argumento tan solo es una tediosa excusa para llegar a la pelea que cierra la película.

Lo bueno de Godzilla ya lo enumeramos unos párrafos más arriba: un acercamiento más eficaz y verídico a la historia original y mostrar solamente a cuentagotas al monstruo. Más allá de que es poco lo verdaderamente rescatable - y elogiable-, Godzilla logra revivir a una franquicia que parecía muerta tras la burda incursión de Emmerich. Gareth Edwards redondea una buena labor tras las cámaras y construye un filme apto para nostálgicos, aunque recomiendo que no vayan con demasiadas expectativas. La muy buena batalla final y las (pocas) virtudes que acabo de mencionar le dan el aprobado a una película sin guión, ni actuaciones convincentes y con un ecologismo más bien barato. La magia del cine le llaman algunos...


Puntaje: 6/10

The Amazing Spider Man 2

Tras el delirio que fue Spider Man 3, ese experimento de Sam Raimi dentro de una saga brillante pero dispareja - una mímesis de la enorme trilogía de Evil Dead-, fue una decisión acertada parar la pelota por un tiempo. La primera entrega había sido buena, la segunda excelente - dentro del Top 5 de películas de super héroes de todos los tiempos- y de la tercera no hay mucho más que decir. La renuncia de Raimi a dirigir la cuarta parte y el que Tobey Maguire y Kirsten Dunst decidiesen acompañarlo en su salida, le dio a los productores la excusa perfecta. Comenzarían nuevamente pero esta vez basándose en The Amazing Spider Man, uno de mis cómics preferidos que me acompañó durante mi adolescencia cuando todavía se los conseguía a un precio módico en todos los kioskos de diario. En el primer filme quedó en claro que el tono iba a ser completamente diferente a todo lo que habíamos visto hasta ese momento. La elección de Andrew Garfield fue perfecta pues daba con el perfil adolescente del nuevo Peter Parker y físicamente era demasiado parecido. También fue muy interesante el que decidiesen centrar la historia en los padres de Peter, un misterio que con Raimi jamás había sido abordado más que superficialmente. Se dejó a Mary Jane Watson de lado y revivió la historia de Gwen Stacy con la brillante Emma Stone en ese rol. Y luego la acción de siempre con el agregado del humor, que le dieron mucho ritmo a un filme que tuvo críticas disparejas. Más allá de algunas resistencias, se pudo dejar atrás lo previo y construir la base para un proyecto que hoy además de su secuela - de la que hablaremos en las siguientes líneas- ya tiene  un spin off en proceso y otras sorpresas más.

The Amazing Spider Man 2 vuelve a ser dirigida por Marc Webb y es un redoble de apuesta en todo sentido respecto a la primera entrega. La historia retoma en el lugar donde dejó la antecesora, con Peter (Andrew Garfield) y Gwen (Emma Stone) tratando de llevar adelante una vida en pareja lo más cercana a lo normal. Ella no tiene problemas con que él sea Spider Man, es más hasta parece encantarle. A Peter en cambio lo persigue el fantasma del Capitán Stacy, padre de su enamorada, quien antes de morir le pidió que se aleje de ella para no exponerla a todos los peligros que conlleva "su gran responsabilidad" (je). En los primeros minutos, el héroe atrapa a Aleksei Sytsevich (Paul Giamatti) un mafioso y resabio de la vieja Unión Soviética y que será clave para el futuro de la saga. Tras varios años de ausencia y forzado por la enfermedad terminal de su padre Norman, vuelve a la ciudad Harry Osborne (Dane DaHaan) para tomar posesión de Oscorp. Peter va a su encuentro y en poco tiempo retoman su relación como si no hubiesen estado más de 10 años sin verse. Mientras uno investiga el misterio de la muerte/desaparición de sus padres, el otro descubre que está siendo consumido por el mismo mal que afecta a su padre. La obsesión de Harry por Spider Man comienza a crecer peligrosamente pues considera que la sangre del héroe es lo único que puede salvarlo de su fatal destino. Entra en escena Electro (Jamie Foxx) quien antes de sufrir el accidente que lo convirtió en electricidad pura, era un operario de Oscorp llamado Max Hastings que tenía serios problemas de personalidad y un amor incondicional por Spider Man. Las fijaciones de ambos terminarán confluyendo para conseguir sus objetivos que poseen en común la necesidad de que el arácnido muera.

Como en la primera parte, el villano amenaza desde el titulo con ser el "Gran Malvado" pero se suma a la lista de enemigos marginales que posee Spider Man en los cómics. Tras una introducción muy soberbia y llena de CGI, termina mirando la trama casi de costado. Jamie Foxx realiza una gran labor y aun siendo una fuente casi invencible de corriente eléctrica logra no perder todo el dolor y frustración con las que carga Max Hastings en su vida cotidiana. El odio consume a este perdedor y el destino le presenta la oportunidad de vengarse contra el mundo que lo maltrata y lo ignora. Pero más allá de todo esto, no deja de ser un pobre tipo y eso es un acierto del actor y del guión. Dane DeHaan logra dar en la tecla y trae a la vida a Harry Osborne que deja de ser aquel bon vivant caricaturesco - no por ello malo, aclaro- de James Franco. Su introducción al Green Goblin es breve y muy bien manejada, dejando muchas ganas de verlo en la piel de la némesis de Spider Man por mucho tiempo. Andrew Garfield vuelve a demostrar que es Peter Parker y exagera todo el histrionismo que nos había regalado en el filme pasado. Muy suelto y con muchos chistes marca Spidey, lleva la película sobre su espalda sin problemas. Emma Stone sigue brillando como Gwen Stacy, ahora con protagonismo central en la historia. Su química con Garfield es excelente, algo lógico pues son novios en la "vida real".

The Amazing Spider Man 2 es otro muy buen trabajo de Marc Webb aunque de a ratos se apoya demasiado en el CGI dándole al espectador la impresión de estar en un videojuego. El ejemplo más claro de esto es el enfrentamiento en la Quinta Avenida entre Electro y Spider Man, un festival de efectos especiales. El otro gran error que comete el filme es no aprovechar al máximo al amaravilloso Paul Giamatti, pero sus minutos de protagonismo sobre el final explican un poco mejor el porqué de este "olvido". La banda sonora a cargo de Hans Zimmer es - como no podía ser de otra forma- brillante e intensa. Mucha electrónica en una peculiar alianza con la música clásica que sorprende para bien.

La escena detrás de los créditos abre la puerta a varias historias, siendo la de los Sinister Six la primera que se va a explorar. The Amazing Spider Man 2 posee toda la acción y los guiños que los fanáticos die hard del cómic están siempre esperando. Termina siendo una buena combinación de humor, drama y emoción cada uno en su justa proporción. Se cierran varias puertas pero, como ya mencioné, se va a fondo con el tema de los padres de Peter en un movimiento inteligente pues cada cosa develada plantea nuevos interrogantes. Como se puede ver, hay cuerda para rato con esta saga que por el momento se va a tomar un descanso hasta 2016 como mínimo.


Puntaje: 9/10       



 

Walk Of Shame

Hay varios nombres que son reconocidos a mundialmente como los gestores de la llamada “nueva comedia norteamericana”. Algunos de ellos son Judd Apatow, Paul Rudd, Seth Rogen, Jason Bateman, Jason Sudeikis, Leslie Mann, Steve Carrell todos brillantes actores y actrices y además estrellas del firmamento hollywoodense – y también del circuito Indie en su mayoría-. Creo que es hora de plantar bandera por una actriz que participó en gran parte de los filmes que están catalogados como integrantes de esta nueva ola y que nunca ha sido debidamente reconocida. Hablo de Elizabeth Banks, que en estos años merced de sus interpretaciones hilarantes y poco equilibradas – para bien- se ha convertido en la gran figura de un género novedoso y asentado a la vez y que por esto último siempre corre el peligro de convertirse otra vez en una repetición de clichés. Ya sea en un clásico como The 40 Year Old Virgin (2005) como esa ninfómana desatada o en un filme por fuera de la comedia, por ejemplo, en la saga The Hunger Games donde juega muy bien el rol de una estructurada y sentida asistente de los jóvenes que van a terminar matándose entre sí, Banks siempre alcanza la nota más alta. Dirigida por Steven Brill, Walk Of Shame - la nueva película que la tiene como protagonista excluyente como nunca antes- vendría a ser la coronación definitiva de la Reina. Algo que hace tiempo era tan merecido como necesario.

La historia comienza con una divertida superposición de fallidos reales que sufrieron mientras transmitían en vivo conductores y noteros de diversos canales de noticias de los Estados Unidos. Uno de ellos - el único ficticio, claro-, es el de Meghan Miles (Elizabeth Banks) quien tras superar ese incidente que se viralizó en Youtube hace unos años, ahora se encuentra a punto de obtener un trabajo muy importante en una gran cadena de noticias. El problema es que mientras espera la respuesta final, les comunica a sus dos mejores amigas que su pareja de muchos años la ha dejado. Cuando recibe las malas noticias de parte de su agente, acepta la invitación de ellas para salir a ahogar sus penas en alcohol. Por mera casualidad conoce a Gordon (James Marsden) y termina teniendo sexo con él en su departamento. Un llamado en la madrugada la sorprende: el trabajo repentinamente es suyo y para cerrar el contrato solo deberá presentarse en las oficinas del canal a primera hora de la mañana. Todo marcha sobre ruedas, pero al salir del lugar se encuentra con que su auto fue remolcado. Sus pertenencias estaban allí, incluido su teléfono algo para nada bueno ya que bien no sabe en qué punto de Los Ángeles se encuentra en ese mismo instante. Comenzará, con lo puesto y sin un dólar siquiera, un camino lleno de obstáculos y situaciones desastrosas para poder alcanzar su gran sueño.

Walk Of Shame es por sobre todas las cosas una sucesión interminable de personajes y escenarios grotescos e hilarantes en iguales cantidades. Banks se carga con mucho oficio la película sobre sus hombros y sus compañeros hacen un muy buen trabajo como el complemento ideal. Cada uno de ellos cumple con su rol a la perfección y termina siendo una pieza importante en un puzzle lleno de humor y sarcasmo. Los dos policías, los vendedores de crack – se roban la película, créanme-, el conductor del helicóptero del canal, la empleada de la mesa de entradas del depósito de autos…Todos logran que la actriz principal brille sin opacarla ni quedar por encima de ella. James Marsden, Gillian Jacobs y Sarah Wright son los nombres más importantes del elenco después de Banks, pero en realidad no son esenciales para la trama. Apenas si se limitan a los clichés del “héroe desconocido que es buena persona y que llega justo a tiempo siempre” y al de las dos amigas con los patitos desalineados que siempre están dispuestas a salir y emborracharse.

Walk Of Shame es un gran producto de la “nueva comedia norteamericana” y refresca un poco el ambiente. Es sano ver algo con la misma calidad y producción que un filme de una eminencia como Judd Apatow sin que sea justamente eso. Apuntando menos al discurso social – solo se filtra una interesante crítica a los medios de comunicación y su vorágine por conseguir un título que venda- y más al humor puro y duro, Walk Of Shame triunfa en su simpleza. A veces no es necesario darle muchas vueltas de tuerca a una película para que sea muy buena. Con un guion directo y sólido y buenas actuaciones es más que suficiente.

Puntaje: 8/10

Captain America: The Winter Soldier

Captain America: The First Avenger (2011) es una muy buena película que a pesar de no poseer demasiadas grietas – y eso que uno las busca obsesivamente siempre- no me había dejado un buen gusto en la boca. Si bien la introducción al universo del Capitán América estuvo bien realizada, creo que se le dedicó demasiado tiempo a la parte de “cómo llegó a…” y eso le restó movimiento al filme. La acción llega solamente sobre el final para encima dejarnos con las ganas y con nuestro héroe, como bien marca la historia original, congelado esperando a ser resucitado en los tiempos que corren. Algo de esto se vio en la escena detrás de los créditos que sirvió como pie para la magnífica The Avengers. Con Captain America: The Winter Soldier, Marvel como en toda la Fase 2 de su proyecto se sitúa temporalmente después de la Batalla de Nueva York que estuvo a punto de destruir el planeta tierra. Anthony y Joe Russo fueron esta vez los encargados de dirigir el filme y consiguieron crear lo mejor – junto a Guardians Of The Galaxy- que el popular emporio de los cómics nos ha ofrecido desde la brillante Iron Man (2008).

El guion retoma desde el punto exacto donde había quedado su antecesora. Steve Rogers (Chris Evans) trabaja para un muy cambiado – desde su óptica idealista de hace 70 años- Ejército de los Estados Unidos en misiones secretas como el Capitán América mientras intenta ponerse al día con todo lo que perdió en sus años de congelamiento en el polo. Desde el vamos hay un explosivo rescate a cargo de S.H.I.E.L.D que entra en un barco para rescatar a los rehenes de un reconocido terrorista. Tras la accidentada misión, Rogers va a cuestionar a Nick Fury (Samuel L. Jackson) por haber arriesgado la vida de los civiles en pos de cumplir los múltiples – y ocultos- objetivos de la misión. Se nota cierto discurso contra el militarismo de los EEUU pos September 11 y a la imposición del miedo como la única manera de sostener el liderazgo mundial. Entra en escena Black Widow (Scarlett Johansson) que tras estar al borde de la muerte en su incursión al barco comienza a desconfiar de ciertos movimientos en la estructura de mandos. Rogers se terminará en su ejercicio matutino haciendo amigo de un ex soldado llamado Sam Wilson (Anthony Mackie) que lo ayuda mucho a adaptarse al mundo de hoy. Va a ser Nick Fury el que empiece a notar que en la organización que dirige no es él quien mueve los hilos y termina emboscado en medio de la calle, apenas sobreviviendo a una brutal y sangrienta persecución. El Winter Soldier (Sebastian Stan) es el encargado de dejarlo inicialmente al borde de la muerte y luego de perseguirlo hasta el departamento de Steve Rogers donde se había escondido. Fury se metió donde no debía y por ello le pide que no confíe en nadie, pues el enemigo está adentro. Rogers y Black Widow comienzan a escarbar el pasado para encontrarse con diversas sorpresas y con una amenaza que parecía extinta pero que en realidad estaba latente esperando el momento para lanzar su contraofensiva.

Captain America: The Winter Soldier es una gran película. Posee el tono político bien arriba y realiza una muy buena conexión/relación con la actualidad. Hay una crítica muy fuerte a la sociedad de vigilancia absoluta que se impone como modelo global desde la caída de las Torres Gemelas y no se queda en la simple mención efectista sino que trata de profundizar dentro de lo posible. El ataque contra la hipocresía de la política y su doble discurso es bueno pero contrasta con la idealización de un pasado en el cual las cosas eran bastante parecidas en lo que refiere a los manejos de los Estados Unidos interna y externamente.

La acción es continua, no da tregua en ningún momento, con lo que mejora al filme anterior que fallaba sobre todo en esa zona. Cada escena es más impresionante que la siguiente y el CGI está utilizado razonablemente. Los cuatro personajes centrales están bien desarrollados y cada uno juega su rol a la perfección. El Winter Soldier es un elemento más en la trama a pesar de ser quien le da el título a esta segunda entrega y a pesar de su poco protagonismo es lo que abre la puerta para lo que se viene. El desarrollo de este agente del caos tiene una infinidad de posibilidades y sería interesante que lo pongan como centro la próxima vez.

Las actuaciones son excelentes de parte de Johansson, Mackie, Evans, Jackson y Stan. Por primera vez Nick Fury posee mucha incidencia en la trama y eso agiganta el trabajo del siempre hilarante y sólido Samuel L. Jackson que sigue mostrando lo ácido de su personaje pero también puede explorar nuevos horizontes bajo ese icónico parche. Cualquiera de los 5 puede tranquilamente llevar adelante una película propia, tienen la espalda suficiente, y eso es garantía de confianza para el estudio que sabe que, aun en un rol marginal, siempre lo van a hacer muy bien en cualquiera de sus productos. Se destaca también el gran Robert Redford, que en la piel de el típico político hijo de puta, hace su debut en el universo del cómic llevado al cine.

Captain America: The Winter Soldier es un gigante paso al frente de Marvel.  Es mucho más política y oscura que The Avengers y busca salirse un poco del esquema “chiste-pelea-algo de drama-explosión-posible muerte que genera más drama-está todo bien-chiste-escena misteriosa” habitual en los filmes de héroes y superhéroes de esta factoría – aclaro que esto no es algo que los hace malos en sí, ojo-. Si hay algo que Marvel sabe hacer, además de dejar puertas abiertas al mismo tiempo que cierra las necesarias, es renovarse y sorprender aun sin cambiar demasiado el esquema.

Puntaje: 9/10