On The Road

El año pasado, Walter Salles aceptó el desafío de realizar la versión cinematográfica de "On The Road" el famoso libro de Jack Kerouac que marcó a fuego y definió a la Generación Beat. La tarea no era exactamente fácil, pero tanto el director brasileño como los protagonistas estuvieron a la altura de las circunstancias. El resultado fue On The Road, una versión casi perfecta del relato de Kerouac que logra retratar la angustia y los dilemas de una sociedad que estaba en plena ebullición tras la Segunda Guerra Mundial.

El narrador del filme es Sal Paradise (Sam Riley) que es el alter ego de Kerouac. Es un aspirante a novelista que vive en Nueva York y se encuentra atrapado en una vida que no considera propia. Se siente encadenado a una realidad que considera asfixiante y que no le permite desarrollar sus habilidades. Tras la muerte de su padre, decide emprender un viaje junto a su amigo y aspirante a poeta Carlo Marx (Tom Sturridge) para encontrar a un tal Dean Moriarty (Garrett Hedlund) del que han escuchado hablar mucho. Cuando logran dar con él, Sal queda completamente impactado por esta figura libre y carismática que sin preludios le mostrará un lado de la vida que hasta allí le era desconocido. Esa misma noche, conoce a Marylou (Kristen Stewart) que es la amante de Dean y de quien se enamora instantáneamente. De a poco, Carlo comienza a quedar fuera del esquema y todo pasa a girar alrededor de este potente y dinámico trío de amigos. Juntos, los tres deciden liberarse de todo tipo de atadura que tengan y salir a recorrer en país para poder descubrirse a sí mismos. Para poder encontrar las respuestas a todos sus miedos y dudas y ser libres de una vez por todas. El camino estará repleto de drogas, alcohol, fiestas, desencuentros, sexo, amistad...Pero lo que le da sentido a la historia es esta idea de poder encontrarse a uno mismo, de salir de los moldes de la sociedad - de alienarse, dejando de pertenecer a ella- y caminar constantemente por la cornisa siempre con el riesgo de caer en aquello que no conocemos. El eco de una generación que buscaba cambiar el mundo resuena en los espíritus libres de Dean, Sal y Marylou que deciden emprender un camino sin retorno asegurado donde, cada uno a su manera, intentará encontrar aquello que andan buscando. Todo lo que vivirán durante este intenso y desgarrador viaje va a marcar sus vidas para siempre y les dejara en claro - y aunque sea mediante el dolor más profundo- cual es el camino que deben seguir. Es la misma idea de la reinvención presente en esa gran escena de Náufrago donde el personaje de Tom Hanks se encuentra ante una encrucijada y por primera vez no sabe hacia donde ir. Esto no es algo malo, más bien todo lo contrario: es el momento en el que se da cuenta de que finalmente es libre.

Garrett Hedlund realiza una interpretación perfecta. Su Dean Moriarty es maravilloso y posee la esencia del personaje original. Toda la libertad y el dolor de Dean se condensan en la gran escena final donde se despide en las calles de Nueva York de su amigo Sal - ahora casado, con mucho éxito y dinero- tras haber quedado completamente relegado de la sociedad. Sam Riley nos entrega un sensible Sal Paradise, que tras encontrar en Dean todo lo que buscaba emprende su propio camino sin mirar atrás y sin importarle la suerte de sus amigos. Pero la gema de la película es la Marylou de Kristen Stewart. La actríz finalmente logra despegarse de la rigidez e inexpresividad de Bella Swan y retorna a la madurez, nostalgia y angustia que habíamos visto en su Em Lewin (Adventureland) que había sido su mejor papel hasta aquí. Con su soltura y desfachatez logra cautivar al espectador desde el inicio del filme y, a medida que su personaje se va desarrollando, comienza a salir a la luz el talento que esta joven actriz posee. Tal vez Hedlund y Stewart, entregándose a fondo sin temerle a nada, terminan haciendo más pequeño el papel de Riley pero le imprimen a On The Road un dinamismo y carisma que la hacen una película memorable.

La anarquía y la libertad están presentes en un filme que es igual de caótico y explícito que la obra maestra que lo inspiró y que le dio voz a una generación. El retrato de la sociedad es perfecto: las tensiones de la pos-guerra aún estaban vigentes para 1947 - año donde comienza el viaje, que termina en 1950- y todos parecían atados. Se necesitaba que alguien diese un paso al frente y gritase bien fuerte, descargando toda la angustia y el dolor que estaban escondidos en lo profundo del alma. Eso fue lo que logró Jack Kerouac con su libro y esta película no solo lo representa a la perfección sino que también lo explica de una forma bastante concreta. Si bien es una efectiva road-movie, no posee ese ritmo frenético del libro siendo esta la mayor diferencia entre ambos y tal vez el más grave error de esta adaptación. Visualmente el filme es impactante y nos trae un dejo de nostalgia. Desde la primera escena nos sentimos inmersos en esa época así como identificados con los personajes principales y con los que van surgiendo a lo largo de la historia (atención con un duro y sombrío Viggo Mortensen representando a la leyenda William S. Burroughs). Los paisajes son impactantes y la mayoría de las escenas sobrepasa los límites desde cualquier punto que se las analice - sensibles y puritanos, abstenerse-. Creo que On The Road es un filme que se puede disfrutar mucho aún sin ser fanático del libro. El purismo - hablo ahora a los fanáticos- debe ser descartado desde el vamos. Lo único que les pido es que tengan la mente abierta y que se sienten a disfrutar de dos horas y media de cine de muy buena calidad.

Puntaje: 9/10

This Is 40

En mi opinión Judd Apatow es uno de los mejores directores de cine de los últimos años en general y el mejor dentro del género comedia. Tras una breve carrera dirigiendo episodios de series en televisión, en el año 2005 Apatow saltó a la fama mundial con su primer filme The 40 Year Old Virgin, una desopilante - y profunda al mismo tiempo- historia acerca de Andy (un enorme Steve Carrell) una persona que a los 40 años todavía no había tenido relaciones sexuales. El recibimiento fue completamente positivo y la crítica unánime: un talento había llegado para quedarse y además había reinventado muy ingeniosamente un género un tanto desgastado. Sus dos siguientes filmes, Knocked Up (2007) y la excelente Funny People (2009), avalaron los elogios que había recibido y fueron la prueba de que su trabajo iba muy en serio.

Los largometrajes de Apatow son muy divertidos y muy humanos. Poseen un humor y una sensibilidad muy inteligentes, pues nunca sobrepasan el límite. Sus historias tratan temas que son tanto tabú - como el sexo- como cotidianos - la vida en pareja- para cualquier ser humano. Así logra que los espectadores se identifiquen de una forma u otra con sus personajes. En su último filme This Is 40, el director decide ir a fondo con dos tópicos importantes como el matrimonio - y todo lo que implica la cotidianidad- y la llegada a los 40 años, ese punto intermedio entre la juventud y la vejez donde dicen que la perspectiva acerca de la vida cambia por completo. La historia es presentada como un spin-off de Knocked Up ya que tiene como protagonistas a una pareja que estaba presente en aquel filme. Pete (el fenomenal Paul Rudd) y Debbie (la dúctil y genial Leslie Mann que además es la esposa del director en la vida real) son una pareja con dos hijas: la pre adolescente y siempre conflictiva Sadie (Maude Apatow) y la pequeña Charlotte (Iris Apatow) tan tierna como molesta. Ambos están a punto de cumplir 40 años y su matrimonio ha llegado a un punto de estancamiento. Se la pasan todo el día discutiendo, huyen el uno del otro de todas las maneras posibles, han perdido el apetito sexual y en lo laboral y económico el panorama es bastante oscuro. A todo esto se le suman sus padres que cada vez que aparecen en escena generan diversos conflictos en sus hijos tanto individualmente como en lo referido a la pareja. Ni Pete ni Debbie parecen poder encontrarse el uno al otro pero tampoco siquiera a ellos mismos.

Las dificultades que acarrea la tarea de ser padres, los inevitables conflictos en la pareja, los miedos con respecto al futuro - la escena donde deciden cancelar el Wi-fi y comenzar a comer sano no tiene desperdicio- y la tediosa rutina que puede destruir la convivencia más sólida son los ejes sobre los que gira This Is 40. La dirección es nuevamente impecable y las escenas en su mayoría son una lección de como se debe filmar una comedia dramática. Los actores están perfectos en sus roles y representan adecuadamente la esencia del guión. Leslie Mann prueba ser una actriz graciosa y seria a la vez. Paul Rudd brilla nuevamente haciendo el perfecto average Joe - esta vez en un tono más serio y depresivo- un rol que le calza a la perfección y que Apatow ha sabido explotar en sus filmes. Nota aparte para Iris y Maude Apatow que demuestran que no llegaron al filme por ser hijas del director. Los actores secundarios también cumplen y con creces: Jason Segel interpreta al desopilante personal trainer de Debbie. Charlene Yi nos arranca muchas risas como Jodi y Megan Fox consigue un director que pretende hacerla actuar y - aún sin sacarla del todo de su zona de comodidad- logra que protagonice escenas bastante divertidas. Pero la ovación se la termina llevando Melissa McCarthy que como la agresiva madre de un compañero de Sadie nos regala dos escenas hilarantes por donde se las mire.

This Is 40 es un tratado acerca de los miedos y las incertidumbres que atacan al ser humano - sin excepción alguna- cuando llega a cierta edad. La reflexión acerca de la propia mortalidad y la pregunta acerca del futuro inmediato rondan todo el filme, llegando a una conclusión simple y potente. Al final, entendemos que la única manera de afrontar estos miedos e interrogantes es vivir la vida a pleno y día por día, intentando descubrir en el camino quienes somos realmente. Esto no significa que no vaya a haber obstáculos, más bien todo lo contrario. Pero el filme nos enseña que debemos siempre luchar contra toda adversidad, que estos problemas son parte inevitable e imprevisible de nuestra existencia, pero que siempre hay luz después de la oscuridad. Al fin y al cabo, tal vez esa sea la verdadera esencia de la vida. Judd Apatow nos sigue demostrando que no nos equivocamos al entronizarlo 8 años atrás.

Puntaje: 9.5/10

The Lone Ranger

Este fin de semana tomé coraje y fui a ver The Lone Ranger. Debo admitir que habiendo leído tantas malas críticas y tan tibios elogios, fui lleno de prejuicios. Mi sensación era que me encontraría con otro blockbuster de verano que abusaba del CGI y que le faltaba el respeto a la obra original. Pero para mi sorpresa, y aunque Gore Verbinski y Jerry Bruckheimer - director y productor respectivamente- no son santos de mi devoción, debo decir que me divertí mucho y que me pareció un muy buen filme.

El filme comienza con un niño que ingresa a una exposición en el año 1933 y se encuentra con un viejo indígena que le comienza a contar una historia. Este personaje es nada más y nada menos que Toro (o Tonto en inglés) el fiel compañero del Llanero Solitario. Los recursos del flashback y flashforward están muy bien utilizados y prueban su efectividad a lo largo de la película. Básicamente la historia nos explica como John Reid (Armie "Winklevoss" Hammer") se convirtió en el justiciero enmascarado. Un joven e idealista fiscal se dirige a su pueblo natal para trabajar allí. Lo espera su hermano Dan Reid (James Badge Dale), el valiente Sheriff del pueblo que además está casado con el amor de su vida (una historia que no llega a explicarse ni desarrollarse bien). En el tren que lo transporta, se encuentran el indio comanche Toro (Johnny Depp) y el temible Butch Cavendish (William Fitchner) que van camino a cumplir con sus condenas. En una escena maravillosa que trae de vuelta el western a la vida - algo que en estos años solo sucedió con Open Range, Appaloosa y Hatfields & McCoys- los secuaces del villano atracan el tren que está en pleno movimiento y rescatan a su jefe. Toro y Reid se las arreglan para sobrevivir, aunque bastante magullados. El fiscal no deja que nada corrompa su idealismo y decide encarcelar al indio ya que una condena pende sobre él. Su hermano lo recibe y lo nombra Ranger del distrito, llevándoselo a una misión para encontrar a Cavendish. En el camino, son traicionados y emboscados por uno de los miembros del grupo y todos son salvajemente masacrados por la pandilla del bueno de Butch. Como si fuera poco, este se lleva el corazón de Dan, mientras John agoniza. A todo esto, Toro los encuentra y - previo trueque con los cuerpos, en una escena hilarante- cava las fosas para enterrar a todos. El famoso caballo blanco - Silver, cuyas escenas son realmente graciosas y más aún aquellas en las que interactáa con Toro - aparece y señala a Reid para que sea salvado. Si bien el indio cree que este es torpe, cobarde y que su difunto hermano era el valiente guerrero le hace caso al animal y salva su vida. Comienza un camino donde el joven fiscal deberá descubrir quien es realmente. Darse cuenta que a veces la verdadera justicia no se consigue del lado de la ley sino estando detrás de la máscara para así poder vengarse de las personas que asesinaron a su hermano frente a sus ojos.

Verbinski traslada el formato de Pirates Of The Caribbean al salvaje oeste y sorpresivamente funciona. Johnny Depp nos entrega un Toro memorable que tiene mucho de Jack Sparrow pero también marca sus diferencias con respecto a este. Con sus muecas, sus gestos y sus líneas se come la película y no deja espacio para nada más. En este sentido, Armie Hammer realiza una buena labor y como sidekick cumple con creces. Claro que su personaje es más rígido y menos carismático - ¿Alguien lo puede culpar por esto estando al lado de Johnny Depp?- pero aún así divierte y es muy intenso en las escenas de acción. Claro que el filme es un festival de CGI (efectos especiales), pero debo agregar que están muy bien logrados y que la época está recreada de manera perfecta. Como todo blockbuster millonario es fastuoso y enorme, pero aún así con algunas escenas The Lone Ranger logra ser un western efectivo y compacto. Claro que hay errores: quedan en evidencia los baches de guión y la poca profundidad y presencia de los personajes más allá de los dos protagonistas principales. Pero en el overall es una película muy sólida y que está hecha como puerta a un trilogía como mínimo (y por lo general cuando esto es así, el resultado es negativo, algo que claramente no sucede aquí). Más allá de las pésimas críticas que recibió en todo el mundo, debo decir que The Lone Ranger es un filme que entrega lo que promete - algo que para mí es clave a la hora de realizar una crítica- y que no pretende ser más que eso: puro entretenimiento. La joya sin dudas es la extensa, épica y emocionante escena final al ritmo de una gran versión de "William Tell Overture" a cargo de Hans Zimmer - escuchen este gran soundtrack, no se lo pierdan- que vale oro. En fin, una gran película más allá de lo que diga la crítica. Hi-Yo Silver y que se venga la segunda!      

Puntaje: 8.5/10

Evil Dead (2013)

Para todo fanático del horror y del viejo Grindhouse, ese cine bien barato lleno de sangre y sexo, The Evil Dead filmada en 1981 por Sam Raimi, siendo este su debut como director, es una obra tanto de culto como fundacional. El delirante, divertido y sangriento relato acerca de un grupo de amigos que llegan para pasar un fin de semana en una cabaña en el medio del bosque y terminan luchando por sus vida contra unos demonios, marcó una época. Fue también el nacimiento de un héroe para toda una generación de cinéfilos: el loco y jugado Ash Williams, interpretado por el frenético y carismático Bruce Campbell. Este año, nos llegó la noticia de que vendría una remake pero no dirigida por Raimi sino por el ignoto Fede Álvarez, un director uruguayo cuya experiencia previa se remitía a un corto muy interesante y muy bien filmado acerca de una invasión alienígena a Montevideo. Todos miramos con desconfianza, pero el anuncio de que la producción estaría a cargo de Raimi y Campbell quienes también habían elegido al director, renovó nuestras esperanzas. El resultado fue bastante parejo y dejó tanto a los fanáticos como a los críticos y espectadores "comunes" muy conformes. Ahora que se acerca su salida en DVD y Blu-Ray, me dispongo a contarles de que se trata este filme que a mi, como fanático de las originales, me dejó satisfecho y con ganas de ver más.

Fede Álvarez nos entrega un filme con mucho más gore que el original - algo completamente entendible debido a la tecnología actual- y que da muy buenos sustos porque generan escalofríos y se dan en la medida justa y necesaria. Le dio un nuevo giro a la historia original profundizando los personajes y la historia del libro maldito. Así, de a ratos logra hacer suya una película basada en un verdadero clásico algo que es muy difícil de lograr. Mia (Jane Levy) es una drogadicta en recuperación que es llevada por sus amigos y su hermano a una cabaña para desintoxicarse. Comienza a sentir un fuerte y hediondo olor que viene del sótano, pero es ignorada. A la larga, todos terminan bajando y se encuentran con una gran cantidad de animales muertos colgando del techo que parecen haber formado parte de un ritual. Uno de ellos encuentra un libro envuelto en una bolsa negra y atado con alambre de púa: el famoso Necronomicon que está hecho de piel humana y lleno de páginas repletas de advertencias escritas en sangre humana. Sí, también está la escopeta, pero no las grabaciones ya que la historia no va por ese lado. Eric (Lou Taylor Pucci) pronunciará las famosas frases que despiertan a los Deadites que desde allí en más intentarán poseer a todos las almas presentes y desatara el infierno sobre la tierra. La posesión inicial, la de Mia, es mucho más intensa y explícita - en especial en la violación en el lago- que en el filme de 1981.

Si bien el estilo de Álvarez es menos frenético y menos libre que el de Raimi, su versión respeta y homenajea a The Evil Dead y al mismo director (el Delta 88 está presente en las primeras escenas) sin ser una copia exacta y desarrollando muchos interrogantes que nos habían quedado. Si bien posee mucha más sangre y mutilaciones, carece del sano humor negro y la anarquía de la original. Aunque parezca mentira, es una gran desventaja que se note que en este filme que es una superproducción hollywoodense - a diferencia de aquella obra maestra hecha a pulmón y por diversión- se invirtieron millones de dólares. Si bien es muy cuidada y demasiado prolija en algunos momentos, posee un final a pura sangre y una trama más que razonable que bien valen una mirada. Tras los créditos, un pequeño regalo para los que somos fanáticos que abre las puertas de un retorno ya inevitable.

Puntaje: 7.5/10
 

Scary Movie 5

Cuando en el año 2000 se estrenó Scary Movie, a la mayoría del público y de la crítica le pareció muy divertida y fresca. Un homenaje bizarro, que sobrepasaba todos los límites, a grandes clásicos del terror y del suspenso. Presentado como una parodia de Scream del maestro Wes Craven, este filme inició una larga fila de películas dedicadas a burlarse de otras. Si bien, como ya dijimos, esto entretuvo en un comienzo, a la larga se convirtió en un ejercicio tedioso y repetitivo que perdió sentido. Toda la serie de Una Loca Película... es el ejemplo más acabado de esta afirmación.

Desde su segunda parte, Scary Movie dejó de ser inteligente e innovadora y mutó en una copia burda de sí misma. Sin dudas que de a ratos siguieron siendo filmes graciosos, pero la sucesión de gags se hizo cada vez más previsible y aburrida. El mal gusto pasó a ser el leit motiv de una alguna vez divertida y original idea.

Dicho esto, Scary Movie 5 nos ofrece un divertido pero previsible sketch inicial entre Charlie Sheen y Lindsay Lohan que aún así es lo mejorcito de la película. Simon Rex (que repite protagónico como en la tercera parte) y Ashley Tisdale son la pareja alrededor de la cual giran todos los eventos extraños y - en teoría- hilarantes. La única reflexión que se puede extraer, es que ambos son pésimos actores y que no logran llevar adelante un guión más bien tonto. La parodia se centra en Mama e incluye escenas que se burlan también de Evil Dead, The Cabin In The Woods, Paranormal Activity, Black Swan, Rise Of The Planet Of The Apes y Proyect X. Lo que presenciamos es una cadena de escenas pésimamente actuadas y que poseen un gusto dudoso aún para los más extremos como quien les habla. El resultado es nuevamente negativo, superando a su predecesora en cuanto a su mala calidad - algo realmente complicado de lograr- y las risas ya son apenas esporádicas y casi por lo bajo.

Dirigida por Malcolm D. Lee, Scary Movie 5 es una pésima película que debería ser la última de una saga que ya no tiene sentido ni relevancia alguna. Su previsibilidad, las horripilantes interpretaciones y su falta de humor la hacen tediosa, logrando que el espectador se pase más de una hora pidiendo que por favor se termine de una vez por todas.

Puntaje: 2/10

V/H/S 2

Pésimamente traducida como Crónicas del Miedo II está por llegar a las salas de cine la segunda parte de V/H/S un filme de terror que sorprendió al mundo el año pasado. Con un argumento simple, logró renovar el género basado en material encontrado (que había tocado fondo con paupérrimos filmes como Grave Encounters). Primero en lo estético ya que  largometraje está filmado en tapes de VHS por lo que no faltan las imágenes borrosas y superpuestas (es una especie de revival de una época que ya no existe). Segundo en cuanto  manera de plantear el escenario: con pequeñas e intensas historias - una más extraña que la otra- sin conexión aparente entre sí que mezclan lo humano con lo sobrenatural. Cada corto fue dirigido y escrito por un director diferente, lo cual le da a la totalidad de la cinta distintos puntos de vista. La primera película nos mostraba una filmación (llamada "Tape 56") donde grupo de jóvenes son contratados por un desconocido para ingresar una casa abandonada, destruirla y recuperar un valioso videocassette. Cuando lo hacen, se dan cuenta que no hay nadie allí dentro y que el lugar está prácticamente abandonado. Uno de ellos encuentra a un anciano muerto enfrente a un televisor. Junto a él yacen una serie de tapes de VHS. Para encontrar el que están buscando, comenzará a mirarlos todos mientras los demás recorren la casa. Lo que vimos en cada una de las 5 historias fue tan terrorífico como surrealista, que nos dejó sinceramente sorprendidos y pidiendo por más.

Un año más tarde, otro grupo de directores nos trae una versión mucho más corta pero que logra solucionar algunos de los baches y errores que había cometido su precuela. Las historias poseen mayor calidad, humor negro (mucho y del bueno), desarrollo y gore. Son más convincentes en líneas generales y manteniendo el espíritu tanto técnico como estético de la original, llevan a un cierre mucho más atractivo - lo que tampoco era una tarea tan complicada en sí misma-. V/H/S 2 es un producto mucho más grande y terrorífico que V/H/S llegando al clímax con su cuarto corto que es perfecto y espeluznante.

La primera historia es un espejo de la del filme anterior. Se llama "Tape 49" (dirige Simon Barret) y nuevamente es la que engloba a todos los demás cortos. Dos investigadores privados son contratados por una mujer para encontrar a su hijo adolescente que está desaparecido hace varias semanas. Consiguen su locación y llegan a una casa abandonada donde solamente hay un colchón, varios VHS y una laptop encendida. La mujer comienza a investigar y encuentra un video grabado del muchacho en cuestión. Comienza a verlo y se da cuenta que el chico está intentando grabar una historia llamada "Tape 49". Si bien su resolución- bien bizarra y más digna del Grindhouse- supera a la de "Tape 56", todavía continúa siendo la más floja desde lo argumental.

"Phase 1 Clinical Trials" de Adam Wingard (que también lo protagoniza) es el segundo corto. Un jóven que perdió el ojo en un accidente de auto, recibe un implante mecánico que le permite recuperar la visión. Al ser un producto en período de pruebas, debe aceptar que la compañía que lo fabrica grabe todo lo que él vea con su nuevo ojo con propósitos de investigación. Cuando llega a su casa, todo parece normal hasta que anochece y comienza a ver cosas terroríficas. Dos fantasmas comienzan a acecharlo y los sustos son recurrentes debido a que el ojo a veces no los percibe y luego surgen de la nada. La aparición de una mujer que intenta ayudarlo solo complicará y hará más extrañas (y hasta divertidas) las cosas. En el overall, podemos decir que está bien logrado y que logra sacarle jugo a una idea más bien simplona.

Con "A Ride In The Park", a cargo de Eduardo Sanchez y Gregg Hale, el humor es lo que prima. Pero en un sentido sangriento y retorcido. Un ciclista se dispone a filmarse realizando un circuito en el bosque y luego ir a visitar a su novia con motivo de su aniversario. En el camino, es detenido por una mujer cubierta de sangre que pide ayuda a los gritos. Se detiene para ayudarla y visibiliza a lo lejos un grupo de personas que se acerca lentamente. No tarda en darse cuenta que algo anda mal, pues no son personas sino zombies. Es atacado por la mujer y tras ser mordido se convierte en un caminante - un muerto vivo, para los no-fanáticos de The Walking Dead-. Lo interesante es que la cámara de video que llevaba en el casco, continúa prendida.  Vamos a ver la semilla del "Apocalípsis Zombie" desde la mirada de uno de ellos, algo que solamente vi en Warm Bodies aunque en un tono más sentimental. El objetivo de los directores queda cumplido y este corto introduce una mirada radical dentro del género zombie pero peca por no profundizar y darle un final demasiado abrupto y humano.

"Safe Haven" de Gareth Huw Evans- director de The Raid la mejor película de acción desde Die Hard- es la gema de la película. Podría decir que V/H/S 2 vale solamente por este corto. Un grupo de documentalistas japoneses se reúnen con un el líder de una secta que tiene su centro de operaciones en las afueras de la ciudad. Logran convencerlo de mostrarle al mundo lo que hacen - que aparentemente es duramente criticado- y se dirigen hacia este misterioso lugar. Este es un gran espacio repleto de cámaras y constituido por lugares de enseñanza y recreación para niños. Todos miran mal a los visitantes, que comienzan a asustarse al ver que se encuentran en el medio de la nada y rodeados por un grupo de fanáticos. A medida que corren los minutos, la situación se descontrola y lo paranormal y diabólico toman la posta. Nos sumergimos en un bizarro festival macabro de suicidios en masa, resurrecciones en forma de demonios y culto a la muerte que eriza la piel dejándonos la sensación de que ese tipo de locura enfermiza puede estar sucediendo a metros de nuestros hogares. Extraño, terrorífico y con la duración perfecta, es el segmento más logrado y cautivante de todo el filme.

La última historia se titula "Alien Abduction Slumber Party" la dirección está a cargo de Jason Eisener. El título de por sí nos lo dice todo. Un grupo de niños realiza una fiesta de pijamas y quedan al cuidado de la hermana adolescente del dueño de casa y su novio. Los alienigenas llegan y comienzan a perseguirlos para llevarlos a su nave. Nos llevamos un combo de ruido, temblores, luces brillantes y aliens bastante estereotipados que hacen pasar el rato aunque no sorprende ni asusta. Lo original es que la mayoría del corto está filmado desde una cámara colocada en la cabeza de un simpático perro, mostrando así todo desde su punto de vista. Es la parte con mayores temblores y desenfoques de todas, algo que guste o no le da la mayor fidelidad en cuanto a la idea del género.

V/H/S 2 supera con creces a una primera parte que había asustado pero no lo suficiente. Si bien no logra ser un auténtico festival de miedo, da mayor profundidad y coherencia a las historias y posee un segmento maravilloso que vale su peso en oro. Para la tercera entrega, queda la tarea de solucionar la historia principal que hasta aquí no logró ser del todo buena en ambos filmes y conseguir una predominancia mayor del factor miedo en general.

Puntaje: 8/10      

   

Bullet To The Head

Cada vez que nos disponemos a ver un filme de acción protagonizado por Sylvester Stallone, sabemos exactamente con lo que nos vamos a encontrar. Y es justamente por esa razón que los fanáticos de la vieja acción - del músculo y la sangre previos a la era del CGI excesivo- consumimos vorazmente cada nuevo filme del bueno de Sly que aparece en cartelera. Yo creo que una película es buena cuando no pretende ser más de lo que es, cuando cumple con su tarea sin perderse en tramas retorcidas ni venderse como otra cosa. Y aquí nos encontramos con un ejemplo muy claro de este tipo de películas. Retrasado su estreno en el país por cuestiones de disponibilidad de pantalla, Bullet To The Head (basada en un homónimo comic francés) es una película cruda, muy violenta y entretenida que lleva la marca de uno de los últimos verdaderos héroes de acción.

La historia nos sitúa en Nueva Orleans. James "Bobo" Bonomo (Stallone) y Louis Blanchard (James Seda) son dos asesinos a sueldo. Tras un trabajo que no salió exactamente como lo habían planeado, deciden ir a un bar antes de dar por terminado el día. Allí Louis es atacado por otro sicario llamado Keegan (Jason "Conan" Momoa) que lo apuñala, dejándolo agonizante en el medio del lugar. Acto seguido, se dirige al baño para eliminar a Bonomo y así culminar con su tarea. Pero tras un breve enfrentamiento a puño limpio, debe huir dejando el trabajo a medio terminar. Sin entender la situación, "Bobo" se encuentra con su amigo muerto y decide encontrar a Keegan y a sus empleadores para vengar a su amigo. En el camino se va a encontrar con Taylor Kwon (Sung Kang) un policía que llega desde Washington D.C para investigar la muerte de su ex-compañero, que casualmente fue el último trabajo de Bonomo y su socio antes de que este último fuese asesinado. Ambos se reúnen y el policía le propone trabajar juntos para encontrar a la última persona que lo empleó y así llegar al fondo de las dos muertes. Bonomo se niega y al otro día Kwon es emboscado por dos policías locales en un intento de borrarlo del caso definitivamente. Cuando está a punto de ser rematado, y ya muy malherido en un hombro, James le salva la vida y lo lleva con su hija Lisa (Sarah Shahi) para que le cure la herida de bala. Dos personas que están en cada uno de los extremos de la ley dejan atrás - con dificultad y nunca del todo- sus diferencias y se unen para encontrar al responsable de las dos muertes recientes. Pero terminan encontrando una trama mucho más profunda, que comienza en Robert Morel (Adewale Akinnouye-Agbaje) un poderoso empresario que posee negociados con empresarios y políticos en todo el Estado y termina en un gran proyecto inmobiliario manchado de sangre y corrupción.

Stallone, cuyo personaje narra todo el filme como un gran flashback, realiza una interpretación de gran calidad y hasta se permite mostrar una faceta comica aún dentro de la dureza de su personaje. En el rol de una persona parca que posee a flor de piel las cicatrices que su dura vida le dejó - como bien dice su hija, lo único que conoció fue la cárcel y la calle- demuestra que tiene cuerda para rato. Físicamente continúa estando impecable, logrando imponer una mayor presencia y potencia que el más joven y también musculoso Jason Momoa - que supera con creces su labor en Conan The Barbarian, aunque debe seguir mejorando-. Sung Kang confirma que lo que nos mostró en la saga Fast & Furious no fue un golpe de suerte y el traje de "sidekick" le queda a medida. El director Walter Hill (Last Man Standing, Undisputed) le da un giro interesante al filme y coloca al criminal en posición de autoridad por sobre el policía. Una especie de triunfo de la ley de la calle, de la idea de que a veces no alcanza con seguir el libro para llegar al fondo de la cuestión. Las escenas de acción son muy buenas y la pelea final - a puño y hachazo limpio- entre Bonomo y Keegan es intensa y está muy bien filmada, pero es demasiado corta. Nada se le puede criticar al trabajo físico de Momoa y Stallone que es perfecto. Es remarcable que a esta altura Sly no utilice dobles para las escenas más desgastantes y que le continúe poniendo el cuerpo entero a cada interpretación. La resolución del conflicto central, como todo el guión en sí mismo, es previsible pero no por ello se arruina la historia.

Con la saga de The Expendables - atentos señores porque se viene la tercera parte- Sylvester Stallone nos devolvió el verdadero cine de acción y a sus más emblemáticas figuras (él mismo incluido). Y lo importante es que lo hizo sin tener miedo a reírse de sí mismo. Estos filmes, incluido el que aquí nos compete, están repletos de gags y menciones a trabajos previos de los actores. Trajo a escena nuevamente a la vieja escuela (Schwarzenegger, Lundgren, Norris, Van Damme y Rourke) y los mezcló con la sangre nueva dentro del género (Statham, Jet-Li, Couture, Crews y Austin) logrando una combinación explosiva de músculo y violencia pura. Desde aquí en adelante, se terminaron las imitaciones de las viejas películas de acción y se produjo su tan esperado retorno y actualización. Bullet To The Head sigue ese camino y cumple su objetivo con creces. Si bien es un muy buen exponente del género, marca sus diferencias ya que el policial y la "buddy-movie" aparecen entremezclados, dándole por momentos un tono más sobrio y contenido. Pero debemos respirar tranquilos y disfrutar de estos muchachos todo lo que se pueda. El legado sigue a salvo.

Puntaje: 9/10